Los Sueños De Akael

Gabriel Morcillo Raya

2011-07-12T20:16:00.000+02:00

Gabriel Morcillo Raya nació en Granada en 1887.

Estuvo desde muy pequeño muy unido a su tía Paquita Raya, quién lo inició en el arte de los lienzos, estando influenciados sus primeros por los pintores locales López Mezquita y Rodríguez Acosta.

En 1910 consiguió su primer premio y fue pensionado por la Diputación Provincial para estudiar en Madrid con Cecilio Plá, pero la falta de recurso hace que regrese de nuevo a Granada.

En 1918 obtuvo una plaza de pensionado en la Academia de Pintura de Roma.

En 1922 fue nombrado director de la Residencia de Pintores de la Alhambra de Granada, y dos años después, académico de la Real de San Fernando de Madrid.

En 1925 entró a formar parte como académico numerario de la Real de Nuestra Señora de las Angustias de Granada, y en la de San Telmo de Málaga.

Dos años más tarde consiguió por oposición la plaza de profesor de Pintura Decorativa y Figura del Natural de la Escuela de Arte y Oficios de Granada.

Miembro de la Comisión de Monumentos de Granada y de la Comisión del Tesoro Artístico de esta ciudad, en a951 ingresó en la Real Orden de Alfonso X el Sabio.

Murió en 1973, en su ciudad natal a causa de una tromboflebitis.

(Arlequín)

Aunque no llegó a crear escuela en su pintura, supo transmitir a sus discípulos la pasión por el arte, influyendo en varios maestros importantes de su ciudad natal.

Su pintura es figurativa y, ante todo, colorista. No hacía bocetos previos ni dibujaba en el lienzo, sino que aplicaba el color directamente con una gran seguridad y pericia. A pesar de su formación clasicista, el haber nacido en la ciudad de la Alhambra hizo que la luminosidad del sur marcara su trabajo. Su paleta, riquísima de color, encuentra especial deleite en los amarillos, las tonalidades carnosas y los azules.

(Mujer con Mantilla)

Entre sus muchos lienzos el paisaje andaluz brillaba con luz propia compitiendo con retratos y bodegones.

Cabe resaltar una serie de lienzos que realizó a muchachos con ropajes a la turca mezclados con un ambiente moruno, con torsos desnudos y miradas penetrantes.

Seguramente su carácter retraído e introvertido fue el que le hizo sentir su escondida pasión por los muchachos, mostrándolos como si de un bodegón se tratara, llenos de coloridos y envueltos en el ensueño de la luz.

(Turbante)

La aparición de la influencia del orientalisrno constituye la parte más ambigua e interesante de su producción.

(Bacanal)

(Alegoría a Baco)

(Muchacho con Oveja)

(Muchacho con Bodegón)

(Los Bacos)

(Arlequines)

(Cascabel)

Luis Ortega Bru

2011-04-06T13:32:00.000+02:00

La vida de este escultor-imaginero andaluz, estuvo marcada por la tragedia y por su pasión por la escultura Considerado por algunos como el mejor escultor contemporáneo, marcó un estilo propio que sin lugar a dudas dejó una profunda huella.

"Éxodo"

Nace Luis Ortega Bru en la localidad gaditana de San Roque, el 16 de Septiembre de 1916, en el seno de una familia humilde. Sus padres, Ángel Ortega y Carmen Brú eran significados republicanos y personas muy queridas en la ciudad, donde Carmen ayudó a dar a luz a muchas vecinas.

Su primera educación escolar la realiza en esta localidad, donde también recibe la primera Comunión en 1928.

Ya desde pequeño muestra una gran inclinación hacia el modelaje, influenciado por la profesión de su padre, alfarero, en cuyo tejar situado en Pasadahonda aprendió los secretos del barro, realizando muy prematuramente creaciones en miniatura.

Se da cuenta de que verdaderamente ésta es su vocación y en 1931 ingresa en la escuela de Artes y Oficios de La Línea de la Concepción (Cádiz). En 1934 recibe también clases de dibujo por parte de José Domingo de Mena, maestro y poeta de San Roque.

"Ortega Bru"

Con el estallido de la Guerra Civil en 1936, Bru se ve obligado a abandonar sus estudios y trasladarse a Madrid para participar en la contienda en el bando Republicano. Allí la metralla de los enfrentamientos le revienta un oído y es retirado del frente y destinado al acuartelamiento del Prado, donde desempeñó trabajos realizando los dibujos de las cartas cartográficas en la sección de Cartografía del mismo.

Ese mismo año, el 5 de agosto, su madre fue fusilada por un presunto delito de rebelión militar.

Otro año trágico para el escultor y su familia fue 1939. Su padre, Ángel Ortega Bru fue fusilado por motivos idénticos a los de su esposa y la hacienda de la familia se pierde. Igualmente este año el artista es encarcelado acusado de ayudar al bando republicano, siendo puesto a disposición del Consejo de Guerra de Algeciras.

Sobre su condena existen dos versiones: la oficial dispone que fue condenado a tres años de prisión por un delito de auxilio a la rebelión; la familiar apunta a que la condena fue de muerte, y que recibió un indulto que la redujo a un año de prisión y cinco de trabajos forzados.

Sin embargo la represión y calamidades sufridas, hacen que el arte de Ortega Bru se imponga ante todas las adversidades. La tragedia ocurrida en su vida le aportó una experiencia en la que la fuerza y la ternura impregnarían toda su obra.

Consigue su primer premio en el año 1943, en el certamen de esculturas de Cádiz con su obra “Los Titanes”.

En 1944 se traslada a Sevilla, siendo en la capital hispalense donde su obra alcanza mayor magnitud e importancia.

Su dedicación a la escultura fue plena y trabajó en también en los talleres de Madrid, Jerez y Málaga.

También en 1944 realiza estudios en la escuela de Artes Aplicadas de Sevilla bajo la tutela del maestro Juan L.Vasallo.

Expone por primera vez en 1949 en la sala Hernal de Sevilla, y en 1951es apoyado por el general de aviación José Rodríguez y Días de Lecea a fin de que talle imágenes procesionales.

"Cristo del Soberano Poder - Hermandad de San Gonzalo"

Conoce a Carmen León, con la que contrae matrimonio un año después en la capilla del Baratillo de la capital hispalense.

"Cristo de la Misericordia" - Hermandad de El Baratillo

El primer Premio Nacional de Escultura lo recibe en 1952 por su obra “La Piedad”, y el 2 de febrero ingresa como hermano de Santa Marta. Por la realización del misterio de esta hermandad, recibe la Encomienda de Alfonso X el Sabio, obra que es declarada de interés nacional.

"Resucitado"

Este mismo año nace su primer hijo, Ángel Luis. Su segundo hijo, José Onésimo nacería en 1954, y Luis Ortega Bru expone por segunda vez en la galería Cubiles de Sevilla.

"Misterio - Santa Marta"

En 1955 la imagen dolorosa del paso de misterio de Santa Marta es sustituida por otra realizada por el escultor Sebastián Santos. También surgió una incomprensible polémica entre otros escultores que se manifestaban en contra de que le hubiera sido concedida la Encomienda de Alfonso X el Sabio.

Como quiera que fuera contratado para ejercer como maestro en los talleres de Arte Granda, Ortega Bru decide aceptar la propuesta y marcha a Madrid.

"Misterio Santa Marta - Detalle Cristo"

Trabaja también para los Estudios Cinematográficos Bronson, donde talla esculturas de canon clásico y diseña decorados para sus películas.

Su hija María nace en Diciembre de ese mismo año.

"Misterio Santa Marta - Detalle"

Decide, en 1958 expone en la Biblioteca Nacional de Madrid y abandonar definitivamente Sevilla para establecerse en la capital de España, en la barriada de Ciudad Jardín.

También en la madrileña calle de Gustavo Fernández Balbuena, abre su primer estudio-taller en 1961, año en el que también consigue el Premio de Escultura al aire libre organizado por el Club Orbis. Nace su hija Débora.

"Cruxificado de la Hermandad de Las Angustias - Jerez de la Frontera)

En 1964 expone en la sala Álvarez y Carbajo de Madrid.

"Descendimiento"

Concursa, en 1965 en el Primer Certamen Internacional de Escultura de Bruselas, recibiendo por ello una mención. Por su obra “La Piedad” recibe la Primera medalla de la Exposición de Otoño en Madrid.

(Dos imágenes de la "Piedad")

Vuelve a exponer en la sala Florencia de Sevilla en 1966 y en 1967 comienza a trabajar para la Semana Santa Jerezana.

Expone, en 1969, en la sala Zeros de Madrid, y en la Sala Cultural de la Caja de Ahorros de Jerez.

El pleno del Ayuntamiento de San Roque decide, en 1971, dar el nombre del escultor a una de las calles de la ciudad.

Regresa de Jerez a Madrid en 1972, estableciendo su residencia en la calle O’Donnell, y estableciendo un nuevo taller en la calle Prat.

Vuelve definitivamente a Sevilla en 1978 residiendo primero en la calle Santa Ana y después en la calle Teodosio. Es acogido en los talleres de Guzmán Bejarano.

En 1979 cambia su residencia a la Sevilla Plaza del Pumarejo y abre un nuevo taller en la calle Castellar.

En esta casa de la Plaza del Pumarejo fallece el 21de noviembre de 1982.

"Sagrada Cena de Nuestro Señor Jesucristo"

Póstumamente, en 1983 una Plaza de la Barriada de San Carlos recibe su nombre, y es nombrado socio de honor del Casino de Recreo de San Roque, además de Hijo Predilecto de esta localidad. También fue nombrado socio de honor de la Agrupación Artística Familiar.

El investigador Juan Carrero definió así su trabajo: “cuando labraba una imagen quería expresar su sentimiento al pueblo, y ese espíritu interior lo reflejaba en sus esculturas de forma dantesca. Era un inconformista, decía que su obra definitiva estaba por hacer”.

"Cristo de la Salud - Hermandad de Montesión"

Su extensa obra se encuentra en México, Nueva York, El Vaticano, Bruselas, Madrid, Barcelona, Sevilla, Málaga, entre otras muchas ciudades.

"Sepultura"

Algo De Su Obra

Sevilla:

Andas del misterio del Dulce Nombre (1945).

En 1950 realizó el Cristo de la Misericordia, de la Hermandad del Baratillo. Igualmente el Simpecado de la Hermandad.

San Gonzalo: Jesús del Soberano Poder (1975) Caifas (1976) y Ntra. Sra. de la Salud (1977), igualmente el Diseño de los llamadores de ambos pasos. Imágenes de la Virgen, arcángeles y ángeles de los varales del palio de la Virgen, realizados en madera en 1978.

El Misterio de Santa Marta, que realizó en 1953, es su máximo exponente, del cual dijo el propio autor: "Yo no tengo obras cumbres, Cuando se hable de tal envergadura yo ya estaré muerto.

El misterio de Santa Marta es distinto; ni yo mismo lo puedo explicar. El barro corría sólo y fue Dios quien lo hizo a través de mi".

Ángeles mancebos ceriferarios y los relieves del misterio de Santa Marta.

Monte-Sión: Cristo de la Salud de Montesión. Restauración del Ángel, al cual le realizo las alas y nube (1955).

La Cena: El apostolado 1975-1982.

La Lanzada: Las numerosas cartelas con pasajes de la pasión que son sostenidas por figuras angélicas. (1949)

Servitas: en las esquinas del paso de La Piedad, las tallas de los profetas Isaías, Daniel, Jeremías y Ezequiel junto con cuatro ángeles mancebos.

Macarena: esculturas del Retablo Mayor de la Basílica (San Gonzalo, Santa Genoveva y el Crucificado de la Salvación (1951). Esculturas de Pedro y San Pablo así como los Evangelistas del Sagrario.

Buen Fin: Restauración del Cristo del Buen Fin (1979) e igualmente Madre de Dios de la Palma

Siete Palabras: restauración de Nuestro Padre Jesús de la Misericordia (1976)

La Estrella: figuras de ángeles mancebos, de los Evangelistas, y escenas de la Expulsión de los mercaderes, Nacimiento de Jesús, Calvario, Exaltación, el Descendimiento, la Piedad, y la Resurrección, en la canastilla y respiraderos del misterio. Restauración del Cristo de las Penas.

Gran Poder: Restauración de la Virgen del Mayor Dolor y Traspaso en 1979.

Maria Auxiliadora Trinidad: Los ángeles del paso procesional.

Córdoba:

Ntro. Padre Jesús del Silencio, también de sus últimas obras, se realizó en 1982 para una agrupación gaditana, la cual cedió la imagen a la Hermandad del Amor.

Retablo de la iglesia del Carmen, en la localidad de Rute.

Cádiz:

Medallones del paso de misterio del Cristo de Las Aguas.

Cristo del Perdón: La imagen del Cristo (en madera de cedro), la Virgen y San Juan, todos de 1981. Las figuras que adornan el canasto también son del imaginero.

Las imágenes de las capillas del paso de Ntro. Padre Jesús Nazareno del Amor y los ángeles mancebos. Ángeles mancebos de las esquinas del misterio de la Expiración.

Jerez:

La Cena: Paso de Misterio de la Cena, realizado, aunque no en su totalidad. El Señor de la Cena (1967) San Mateo, San Bartolomé, Santiago el Menor, Santiago el Mayor, San Pedro, San Juan y Judas Iscariote (cuatro de 1969 y tres de 1975)

El Descendimiento, realizado en 1957 para la Hermandad de la Soledad, esta considerado por muchos la obra cumbre de Ortega Bru.

Ángeles del misterio del Prendimiento.

La Línea de la Concepción:

Conjunto escultórico Hermandad del Santísimo Cristo de las Almas y Nuestra Señora de las Angustias en 1954, la imagen es una auténtica obra de arte catalogada entre lo mejor del arte cofradiero.

Huelva:

Imágenes del Misterio de la Oración en el Huerto. En 1976 realizó San Juan y Santiago y en 1977 San Pedro y el Cristo, entregado este último el 16 de diciembre

Málaga:

Ntro. Padre Jesús de la Pasión (1977) y restauración de María Stma. del Amor Doloroso en el mismo año.

Cristo del descendimiento (1977-78)

Ciudad Real:

Cristo en la Columna (1971) y María Consoladora de Afligidos (1976) de Manzanares

Cristo de la Vera Cruz (1957), San Juan (1961) y Virgen de la Esperanza (1955) de Manzanares

Burgos:

Inmaculada y Crucificado del Monasterio de las Bernardas.

"Ortega Bru, modelando"

La imaginería del sanroqueño enriquece las procesiones más conocidas. El investigador Juan Carrero definió así su trabajo: “cuando labraba una imagen quería expresar su sentimiento al pueblo, y ese espíritu interior lo reflejaba en sus esculturas de forma dantesca. Era un inconformista, decía que su obra definitiva estaba por hacer”.

Su extensa obra se encuentra en México, Nueva York, El Vaticano, Bruselas, Madrid, Barcelona, Sevilla, Málaga, entre otras muchas ciudades.

Falleció en Sevilla, en su casa de la Plaza Pumarejo, el 21 de mayo de 1982

Bibliografía:

"Ortega Bru" - Benito Rodríguez Gatíus - Ediciones Guadalquivir

José Pinelo Llull

2011-03-21T13:07:00.000+01:00

("Vista panoramica de Alcala y el Castillo desde el cerro de San Roque)

Nacido en Cádiz en 1861, pronto se traslada a la capital andaluza y se inscribe como alumno de Eduardo Cano en la Escuela de Bellas Artes, donde obtiene un diploma en la asignatura de Figuras, en el curso 1875-76. Allí permanece hasta la fecha de 1879, año en que obtiene una medalla de bronce en las entonces muy activas exposiciones celebradas en Cádiz.

("La Noria" - Cádiz)

Tras este periodo de formación participa, antes de 1883, en algunas exposiciones de Sevilla y Cádiz, en las que su producción se inclina por el cultivo de una pintura de figuras, con temática de costumbres, dentro del realismo y las escenas de género como “Admítala usted, tío”, “En la azotea”, “Una tarde de verano”, y “Una Flamenca”, así como vistas y paisajes , algunos ya de Alcalá de Guadaira, relacionados directamente con las obras que su compañero Sánchez Perrier realizaba allí en aquellas fechas.

“Una perspectiva” fue premiada en Cádiz con medalla de bronce.

("La ribera de Alcalá" - 1891- Oleo sobre tabla de caoba . Colección particular Sevilla )

El conocimiento de los éxitos de los pintores sevillanos en el extranjero y la pujanza del mercado internacional de esos momentos, le llevan a Roma, donde estudia con el sevillano Villegas, entonces pintor de gran prestigio y notable fama. En la estancia de tres años, sabemos que realizó un retrato de la Baronesa de Neserberg.

(Detalle de "Dama y Abanico" )

En 1881 vuelve a España, dedicándose a partir de ese momento al paisaje, tras un periodo de convalecencia que le hace entrar en contacto con la naturaleza cercana a la capital de Sevilla. Paisajes que rápidamente tienen una buena acogida tanto en el ámbito sevillano como nacional. En este momento cultiva vistas y encuadres de Alcalá, visiones de atardeceres entre melancólicas ensoñación romántica que despuntan rasgos simbolistas, pero sobre todo de aspectos barbizonianos, también asimilados y ratificados en otros artistas presentes en exposiciones nacionales y europeas de ese momento.

En el catálogo de la Exposición Provincial de la Academia de Bellas Artes de Cádiz de 1885 figuró con la obra “Vista de Alcalá al atardecer” y “La mañana”. Así, en 1988, envía su paisaje de gran formato “El Pinar de Oromana” a la Exposición de Barcelona, siendo muy comentada por la prensa.

("Molino de Benharosa" - 1904)

Emprende entonces una serie de viajes y desplazamientos que le llevan a Lisboa en el verano de 1886, donde pasa una larga temporada. En 1890 regresa a la Nacional de Madrid con el paisaje “Ribera de Santiponce”, que también envió a Barcelona al siguiente año, donde fue premiada y adquirida.

("Romance en el patio" - Guadalcanal - 1901)

A comienzos de la nueva década, el pintor amplía su temática paisajista visitando la sierra norte sevillana en torno al río Huéznar o tomando encuadres de localidades como Guadalcanal, localidad natal de su esposa, donde pinta “Arroyo de los molinos”, enviada a Madrid en 1892, fecha en que nace en la referida localidad su hijo José.

("Callejón de la Cava" - Guadalcanal - 1902)

Además de continuar pintando preferentemente en la rivera de Alcalá, en 1894, también se desplaza Pinelo a otras localidades próximas a la misma capital, como el mismo Guadalquivir, Santiponce, Lora del Río y en Palma del río, el río Genil, antes de 1912.

("La Rivera de Alcalá con el Castillo al fondo"1884 - Óleo sobre lienzo- Colección Antonio Plata - Sevilla)

Por otra parte, el escaso mercado artístico, tanto local como nacional, de aquellas fechas, y las consiguientes crisis económica iniciada años antes del desastre de Cuba, le llevan a países como Brasil en busca de fortuna, adonde viaja en 1891, recibiendo numerosos encargos, siendo también testigo de los hechos históricos que condujeron a la caída del entonces imperio brasileño. También consigue exponer en Nueva York con gran éxito de ventas, tras lo cual repetirá en los años 1893 y 1895, así como en Río de Janeiro y Sao Paulo en los periodos de 1896 a 1899, y de 1910 a 1913 respectivamente.

Siguiendo estas pautas, Pinelo viajará a Argentina, que en aquellos momentos vivía un desarrollo económico notable. Allí acude en 1989 con una serie de obras que logró vender a buen precio, circunstancias que facilitaron que el pintor quedara vinculado estrechamente con aquel país por relaciones mercantiles y profesionales, como también ocurrió con otros pintores sevillanos, como López Cabrera; emigrantes temporales en aquel país.

En el mismo Buenos Aires, Pinelo organizó frecuentes exposiciones, como las bienales de 1892 a a 1913, y de 1917 a 1919, abriendo un mercado que dio acogida a la producción de un buen número de artistas españoles, y en gran parte posibilitó durante algún tiempo la dedicación profesional a la pintura de buena parte de sus amigos y colegas sevillanos. En 1921, un año antes de su muerte, con la exposición número decimoséptima, culminaba este ciclo de exposiciones.

En las Exposiciones Nacionales de 1897 y 1899 en Madrid, el pintor obtuvo dos menciones honoríficas por sus obras “Camino de Benalosa” y “Un día de otoño”, respectivamente.

En 1901 vuelve a participar con una sola obra. En 1904 obtiene una tercera medalla por el paisaje “La Charca de El Algarrobo”, y otra en 1906 por “El Molino del Arrabal”.

Repetirá igualmente en las exposiciones de 1908 y 1915, en esta última con “Mañana de Marzo”, obra que fue solicitada por la Academia de San Fernando para su adquisición con destino al Museo de arte Moderno, a instancias del pintor José Garnelo y Alda.

("Un estanque sombrío" - 1894)

En la capital andaluza también participó en exposiciones como las organizadas en la primavera de 1905 en los Jardines de Eslava, con “Huerta de la Mora” y dos paisajes de Alcalá, donde comprobamos que aún sigue muy de cerca los encuadres y maneras de Sánchez Perrier en Alcalá.

También en sus últimas estancias sevillanas, además de continuar con sus paisajes de Alcalá y otras riveras, se ve identificado con una pintura luminista de contagios impresionistas, efecto que también percibimos en las pinturas de su hijo, recogiendo algunos jardines y patios, especialmente los de la serie realizada en la localidad sevillana de Camas.

A las exposiciones sevillanas concurrirá siempre que se lo permitan sus asuntos comerciales con América, enviando obras a las 1908 y 1914 con paisajes donde se recogían intenciones luministas, como “Primavera” y “Huerta de Perico”.

("Paisaje en el Camino" - 1912)

La organización por parte de Pinelo de frecuentes exposiciones individuales y colectivas en el nuevo continente, que alcanzaron brillantes éxitos y destacada difusión en las revistas ilustradas de la época, le hicieron merecedor de importantes condecoraciones como la Gran Cruz de Isabel la Católica en 1913, y la Encomienda de Carlos III, además de ser nombrado miembro correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

José Pinelo Llull murió en Sevilla, en 1922.

Fuente de Datos:

*”La Escuela de Alcalá de Guadaira y El Paisajismo Sevillano” – Casa de la provincia – Ayuntamiento de Alcalá de Guadaira.

Géneros Académicos De La Pintura Romanticista En España

2011-02-25T12:30:00.001+01:00

("Autorretrato" - José Gutiérrez de la Vega - Museo del Romanticismo - Madrid)

Antes de la aparición del Romanticismo, los principales asuntos tratados por pintores y escultores fueron la religión, la mitología y la historia, además del retrato.

Como el nuevo movimiento no rompió drásticamente con la situación preexistente, los artistas incorporaron las novedades románticas sin olvidar la importancia que la Academia otorgaba a dichos géneros.

De ésta forma, la supremacía artística de este momento corrió de la mano tanto de artistas andaluces como de los grandes pintores de la corte.

La Academia de Bellas Artes De Cádiz

A finales del siglo XVIII, Cádiz había llegado a ser una de las ciudades más florecientes de España gracias a su enriquecimiento comercial, siendo fundada la Academia Gaditana de Nobles Artes en 1787.

Juan Rodríguez Jiménez (1765-1880), formado en Cádiz y Sevilla, fue el primer pintor cuya obra se inclinó hacia lo romántico. Fue básicamente autor de retratos y asuntos religiosos e históricos, como “El Marqués de La Romana Embarcando sus Tropas en Dinamarca” (1808), aunque está considerado como el iniciador del costumbrismo por escenas populares como “El Baile del Farol”.

(“El Marqués de La Romana Embarcando sus Tropas en Dinamarca” (1808) - Juan Rodríguez Jiménez Museo Romántico de Madrid)

("El baile del Farol" - Juan Rodríguez Jiménez)

Otros Artistas

Joaquín Manuel Fernández (1781-1856) formado al igual que anterior en Cádiz y Sevilla, además de Madrid, fue el más importante pintor de este círculo. En su obra, retratos de carácter privado como el “Doña María Josefa de Corte de Gargollo” (hacia 1832) son los que más se aproximan al nuevo espíritu romántico.

(“Doña María Josefa de Corte de Gargollo” (hacia 1832) Joaquín Manuel Fernández)

Posterior a ellos fue el gaditano José Utrera (1827-1848), cuyo “Autorretrato” es uno de de los más sugestivos del Romanticismo español. Entre los artistas adscritos al movimiento romántico de forma temprana, figura también el cordobés Ángel de Saavedra y Ramírez de Baquedano, duque de Rivas (1791.1865).

La Academia De Bellas Artes de Sevilla

La ciudad de Sevilla disfrutó a principios del segundo tercio del siglo XIX, de un auge económico y de un ambiente cultural sumamente favorable para el desarrollo artístico, lo cual, unido al mito romántico de la ciudad, dio como resultado un marco incomparable para la creación de modos y temas.

Perteneciente a una dinastía famosa, Antonio Cabral Bejarano (1788-1861) asumió en 1880 la dirección de la escuela sevillana.

Como pintor llevó a cabo varios trabajos decorativos y religiosos en los que se percibe su devoción por Murillo, además de tipos costumbristas. Su máxima notoriedad la alcanzó sin embargo como retratista

("El Marques de Arco Hermoso y su Familia" - 1838)- Cabral Bejarano)

José Domínguez Bécquer (1805-1841), otro pintor de apellidos igualmente ilustres, destacó principalmente por su contribución a la creación de tipos humanos y lugares de la pintura costumbrista. Su primo Joaquín tuvo un papel considerable en la vida artística sevillana, pero su hijo Valeriano fue el que se convirtió en el pintor más famoso de la dinastía.

("La Paz de Wad-Ras" 1863- Joaquín Domínguez Bécquer- ´Oleo sobre tela - Casón del Buen Retiro . Madrid)

Posterior a ellos fue el gaditano José Utrera (1827-1848), cuyo “Autorretrato” es uno de de los más sugestivos del Romanticismo español. Entre los artistas adscritos al movimiento romántico de forma temprana, figura también el cordobés Ángel de Saavedra y Ramírez de Baquedano, duque de Rivas (1791.1865).

La Temática Religiosa y Artística

José Gutiérrez de la Vega (1781-1865) fue, de todos los pintores españoles del siglo XIX el que mejor supo dotar de un espíritu romántico la tradición de Murillo, reflejando en su obra también la influencia del museo británico.

("Pareja de Majos" - José Gutiérrez de la Vega)

Entre 1845 y 1865 se halla comprendido lo mejor de su producción, con cuadros religiosos como “Santa Justa y Rufina” (hacia 1846), presentando en algunos de sus retratos cierto popularismo costumbrista de ascendencia goyesca “La duquesa de Frías”.

También destacó como retratista José María Romero “Los hijos del primer conde de Ibarra” (1852)...

("Ñu" - José María Romero)

...sintetizando el nombre de Antonio María Esquivel lo mejor del romanticismo sevillano.

("Niñas" - Antonio María Esquivel)

*Fuente de datos:
*Romanticismo, Los grandes maestros, Las principales escuelas (Manuales Parramón)
*Educaret – Fundación telefónica.
*Imágenes:
*Ciudad de la Pintura

Significado De La Pintura Del Romanticismo

2011-01-29T20:27:00.001+01:00

("La Batalla De Nazareth" - AntoineJean Gros - 1801- Museo de Bellas Artes - Nantes - Francia)

Aunque el Romanticismo es la culminación de un largo proceso de maduración de tendencias e ideas que surgen y se mezclan a partir de la segunda mitad del siglo XVIII, el carácter revolucionario de su aparición resulta indiscutible en la medida que significó un cambio del gusto de la época y de las teorías estéticas.

Las distintas manifestaciones que anunciaban el nacimiento de una nueva sensibilidad, desempeñaron el papel de introducir una alternativa al gusto imperante y abrieron nuevas posibilidades a la creación.

Un Movimiento Con Una Definición Compleja

("La Tempestad" - Josep Vernet - 1777 - Óleo sobre tela- MuseoCalvet Avignon - Francia)

Así como han sido innumerables los intentos para definir el Romanticismo, también lo han sido las ocasiones en las que se ha podido constatar la imposibilidad de restringir el término a una serie de manifestaciones culturales dentro de un marco espaciotemporal concreto.

En líneas generales, cuando se menciona el término Romanticismo se piensa en una época que se sitúa entre finales del siglo XVIII y la primera mitad del XIX.

Lo que sí puede afirmarse es que el Romanticismo, como antes el Neoclacisismo y después el Realismo, profundizó en sus raíces y se alimentó de la cultura iluminista del siglo XVIII.

De esta forma, con el Romanticismo maduraron algunos comportamientos estéticos a la par que lo hacían los acontecimientos contemporáneos de las diferentes naciones de Europa.

Rebelión Y Ruptura Con El Pasado

El Romanticismo supuso una ruptura con una tradición, con un orden anterior y una jerarquía de valores culturales y sociales en nombre de una libertad auténtica, hechos que no habrían podido producirse de no ser por la capacidad de asombrar y sorprender de las primeras manifestaciones y de la consecuente propagación del espíritu romántico por toda Europa.

Fue un movimiento de protesta apasionada y contradictoria contra el mundo capitalista burgués y el mundo de las ilusiones perdidas.

("La Bruja De Endor" - 1777 - Benjamín West Saúl - Óleo sobre tela - Wadsworth Atneneum, Hartford EE.UU.)

Los Ideales Románticos

Para el hombre romántico solo fue válida la expresión de sus ideales experimentados en el alma individual, situándose más allá de los límites del razonamiento lógico.

Se trata de una época en la que imperó la propagación de los sentimientos por encima de cualquier otra circunstancia. Si la revolución había proclamado la libertad política, el Romanticismo proclamó, a su vez, la del artista, a fin de que éste pudiese expresar sus emociones sin limitación alguna, y su emancipación respecto a las academias, admitiéndose la espontaneidad, el individualismo y el sentimiento como valores supremos del arte romántico para dar autenticidad a su obra.

("Incendio en el Mar" - Joseph Mallord Willian Turner - 1834 - Oleo sobre tela)

Características Generales De la Pintura del Romanticismo

("Grecia Espirando Sobre Las Ruínas De Missolonghi" - Eugène Delacroix - 1826 - Óleo sobre Tela - Colección Oskar Reinhart - Winterthur - Suiza)

El Romanticismo carece de unidad y de uniformidad, aunque existen el suficiente número de coincidencias entre diversos autores y manifestaciones que permiten hacer referencia, sino a un grupo, al menos a un movimiento que presenta una coherencia y unos ideales comunes.

Su unanimidad reside en una manera de sentir y de concebir al hombre, la naturaleza de la vida, aunque, si se piensa en la existencia de varios movimientos románticos, teniendo en cuenta el marco geográfico que lo abarca, no hay dos que sean iguales.

Sin embargo, pese a las diferencias que presentó en cada uno de los países, el Romanticismo tenía algunos rasgos comunes: sensación de incomodidad espiritual en un mundo con el que el artista no podía identificarse: inestabilidad y aislamiento, de donde surgió el anhelo de una nueva unidad social; preocupación por el pueblo y sus canciones y leyendas, y proclamación de la absoluta singularidad del individuo.

*Fuente de datos:
*Romanticismo, Los grandes maestros, Las principales escuelas (Manuales Parramón)
*Educaret – Fundación telefónica.
*Imágenes:
*Ciudad de la Pintura

El Origen Del Paisajismo Sevillano

2010-11-19T19:32:00.001+01:00

("Campo de Marte" -Emilio Sánchez Perrier - 1885)

Aparte de los casos singulares de acercamiento a la representación del paisaje durante los distintos periodos históricos anteriores al romanticismo, es a partir de esa época cuando se puede decir que la pintura se hace plenamente sensible al fenómeno paisajístico. Es entonces cuando éste nace y se desarrolla como un género específico en el que se proyectan tanto las cualidades exteriores de la naturaleza en la que habita y se desenvuelve el ser humano, como los fenómenos psicológicos a los que tan proclive fue el alma romántica.

Aunque en el siglo XVII se dieron contados ejemplos descriptivos de lugares cercanos a la capital, no se llegó a desarrollar en la pintura sevillana un género específicamente paisajístico. Sin embargo, en el siglo XVIII ya existe un incipiente desarrollo del gusto por lo preciosista y popular, que permite que el paisaje pintoresco comience a tener un papel destacado como escenografía, aunque no será hasta el pleno XIX cuando encontremos en la pintura sevillana artistas dedicados exclusivamente a esta disciplina.

La aparición de las pinturas de paisajes en el ámbito artístico de Sevilla, es consecuencia de factores y circunstancias sociales que propiciaron la aceptación paulatina, primero de los conceptos del “Paisaje de Composición” que irían encauzándose hacia el desarrollo del Paisaje Realista.

Durante la primera mitad del siglo XIX, el tipo de paisaje cultivado en Sevilla se materializaba en cuadros de salón de tamaño medio y que, la mayoría de las veces, representaba, vistas de los alrededores de la ciudad, ejecutadas en el estudio a partir de datos extraídos directamente del natural o bien memorizados. El espacio de estas pinturas siempre estaba resuelto por planos de claroscuros superpuestos, lo cual potenciaba las siluetas y contornos propios de las horas crepusculares. A estas escenografías se añadían tipos y figuras en acciones determinadas, que contribuían a caracterizar el entorno representado.

("La feria de Santiponce" - 1855 - Joaquín Domínguez Bécquer)

En ocasiones se incluía algún monumento emblemático o un detalle referencial de la ciudad, que con mucha frecuencia se basaba en imágenes de grabados y litografías. Las pinturas de la primera época de Barrón son, en este sentido, significativas.

("Paisaje del río con figuras y ganado" - 1850 - Manuel Barrón y Carrillo)

En lo que representa al paisajismo sevillano, es la llegada de los viajeros (principalmente ingleses), y las publicaciones ilustradas que registraban de los viajes, lo que de manera conjunta va a potenciar la composición y el modo de representar los monumentos y vistas, en definitiva, la manera escenográfica y plástica de entender lo pintoresco, conformando así la imagen pictórica del entorno y de la idiosincrasia del lugar.

A partir de entonces comienza a organizarse todo un conjunto de iconos con el que va a identificarse la sociedad andaluza, considerándolo un espejo en el que se refleja su propia identidad.

("Manada de toros junto al río" - Genaro Pérez Villaamil)

Pero en el ámbito sevillano, la pintura de paisaje va a evolucionar paralelamente a otro fenómeno más genérico y extensivo: el costumbrismo, también consecuencia, en gran parte, de la visión romántica de los viajeros. De hecho, mucho de los primeros ensayos de paisajes estarán justificados por la presencia de grupos humanos o individuos de carácter, que a la vez proporcionan relaciones de escala a las escenas y composiciones, dan sentido e la identidad a los lugares representados. Así, tipos y países van a ir de la mano en un primer momento, aunque adquiriendo poco a poco sus respectivas autonomías como géneros diferenciados; autonomía que, en el caso del paisaje, se materializará en una paulatina valoración de los puros elementos y circunstancias naturales.

La aparición del paisajismo en Andalucía es consecuencia de un proceso en el que se conjugan, por un lado, la aparición de una nueva clase social, que los hechos históricos van consolidando en el control de la producción agrícola frente a la vieja aristocracia, y por otro, las distintas influencias y aportaciones de la pintura extranjera del paisaje.

El catalizador de ambos factores es el establecimiento en Sevilla, a partir de 1848, de la corte ilustrada de los Montpensier, poseedora de unas costumbres y una cultura internacionales que darán a las clases andaluzas emergentes, la imagen, el tono y el gusto a seguir.

("Vista de Sevilla desde la Cruz del Campo" - 1864 - Joaquín Domínguez Bécquer - Museo de San Telmo - San Sebastian)

La nueva burguesía de la época isabelina verá cada vez más necesaria la identificación con una imagen populista que al caso aportaba, también, inevitablemente, el costumbrismo. Este aspecto populista, del que parece contagiarse la mayoría de las actividades sociales y culturales de Sevilla en la primera mitad del siglo XIX, se extiende hasta los encargos pictóricos de la Corona.

Será el caso de algunos artistas sevillanos que pasan a trabajar para la corte madrileña, como Rodríguez de Guzmán y en ocasiones Andrés Cortés.

("Idilio junto al río" - Andrés Cortés Aguilar - 1868)

En cuanto a las novedades pictóricas introducidas en el reciente paisajismo sevillano se encontraban la selección de encuadres no cultivados anteriormente: las vistas significativas de la ciudad, los rincones urbanos pintorescos, complementados, como ya se ha apuntado, con tipos humanos característicos y la presencia de algún edificio emblemático reconocible.

Además, las nuevas formas de vida, más domésticas y familiares, adoptadas por la burguesía de Sevilla, a imitación de la sociedad inglesa y francesa, activan por aquellas fechas una demanda de productos pictóricos (vistas, panoramas…) en los que se aprecia una notable reducción de los formatos de cara al disfrute íntimo del hogar. En general cuadros de gabinete que permitían a los artistas una mayor autonomía artesanal respecto de las labores tradicionales del gremio de pintores.

("La Feria de Sevilla" - Andrés Cortés Aguilar )

En este sentido, siendo Sevilla la ciudad de moda más visitada por los viajeros románticos, se genera un aumento de la producción de un objeto pictórico específico: el souvenir de calidad, consistente casi siempre en algún paisaje o vista de la ciudad, todavía dentro de la tradición de las “vedutti”, y que los visitantes de cierta relevancia adquirían durante sus dilatadas estancias. Este fenómeno fue de gran importancia para el paisajismo local al proporcionarle en su momento una justificación artesana.

("El templete y la Cruz del Campo) - Manuel García y Rodríguez)

Entre los pintores sevillanos que se decantaron hacia una mayor aplicación del género paisajístico estará, por un lado, Joaquín Domínguez Bécquer, perteneciente a una destacada familia de creadores y preceptor artístico de los duques de Montpensier, y por otro, de manera más especializada, el paisajista Manuel Barrón. Ambos fueron figuras muy notables en el conjunto de los artistas sevillanos, con numerosos discípulos adquiridos a los largo de una continuada docencia en la Escuela Sevillana.

("Alrededores de Alcalá de Guadaira" - Manuel Barrón y Carrillo - 1860)

Otros pintores, como Andrés Cortés, también con una amplia nómina de seguidores, ejercerá una labor divulgativa de un paisajismo pintoresco, de tono más popular y menos cualificado; tratando, generalmente, escenografías simples interpretadas a partir de parajes, caminos, ventas, fiestas, y molinos cercanos a la capital y que siempre son el pretexto para situar escenas de fiestas y reuniones populares.

Fuente de Datos:
*"La Escuela de Alcalá de Guadaira y El Paisajismo Sevillano" - Casa de la provincia - Ayuntamiento de Alcalá de Guadaira

El Último Cuadro De José García Ramos

2010-09-29T19:14:00.001+02:00

(Malvaloca - Oleo sobre lienzo - José García Ramos)

Aunque ya he tratado en este espacio sobre José García Ramos, vuelvo a hacerlo en esta ocasión para mostraros una de sus obras: Su última obra.

José García Ramos (Sevilla 1852 – Sevilla 1912), pintor sevillano cuyas tres personalidades, sevillano, pintor y maestro, aparecen siempre envueltas en la aureola de una simpatía extraordinaria, enamoradas del ambiente, del paisaje y de los tipos de su ciudad.

Sus cuadros, apuntes y dibujos gozan siempre del genio y la gracia de ella: la nota pintoresca, el momento cómico, la copla popular, la clásica bailaora, el verdadero gitano, el apuesto garrochista, el músico ambulante, el guardia tumbón, el borracho andaluz, el corral típico, la taberna tradicional, los patios, las callejas y jardines…. Y la mujer trianera.

Malvaloca fue el último cuadro que pintó García Ramos. Fue pintado en óleo sobre lienzo, y perteneció a la colección de los hermanos Álvarez Quintero y donado al Museo de Bellas Artes de Sevilla en 1966 por Dª Luisa Álvarez Quintero.

El cuadro representa a una mujer con una flor roja en el negro pelo que lleva recogido en dos moños, resaltando así el blanco de su traje y cubriendo sus hombros con el tan sevillano mantón de manila.

La dama se sienta de lado en una típica silla sevillana de color blanco, con una postura entre recatada y provocativa, apoyando sus pies en un banco adornado frontalmente con azulejos sevillanos. Ante ella, dos macetas de flores (tal vez crisantemos y claveles), blancos y amarillos, y tras de sí, las ramas de un frondoso árbol. Al fondo, una extensa llanura verde que contrasta con el blanco predominante de la obra.

Esta fue su última obra.

Carlos Sáenz De Tejada

2010-08-08T20:00:00.002+02:00

(" Retrato de Luz Benvenuti González del Castilla" - 1920 - Óleo sobre lienzo - Colección Particular)

Al igual que me ocurriera con Rafael de Penagos, la obra ilustrativa de Carlos Sáenz de Tejada la descubrí en los cajones de la cómoda de mi abuela, en los que tenía guardadas revistas y periódicos de la época, con ilustraciones que a mí me llenaban de ensoñación. Uno de estos ilustradores era Sáenz de Tejada, al cual, lo mismo que a Rafael de Penagos, llegué a descubrirlo intensamente tanto su vida como sus obra con la llegada de la madurez.

(Cártel "Ilustración de Moda" - 1935)

Sáenz de Tejada, fue pintor, dibujante, ilustrador, grabador, retratista, cartelista, figurinista de moda, decorador de escenografías teatrales y de interiores, diseñador y publicista, con una brillante trayectoria profesional, caracterizada por un espíritu ecléctico que le impedía renunciar a ninguna posibilidad técnico-expresiva.

("Retrato de Carlos Sáenz de Tejada y Benvenuti" - 1941 - Dibujo a Sanguina - Colección particular)

("Retrato de María Teresa Sáenz de Tejada y Benvenuti" - 1946 - Dibujo a Sanguina - Colección particular)

Nace Carlos Sáenz de Tejada y Benvenuti en el año 1897, Tánger, donde residía la familia, originaria de La Rioja Alavesa, y que debido a la actividad diplomática de su padre se había trasladado a Marruecos. Fue allí donde comenzó sus primeros estudios en los primeros años del siglo XX, continuándolos en 1914 bajo la dirección de Daniel Cortés.

En 1916 se traslada a Madrid e ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Sus estudios los completa con Joaquín Sorolla y López Mezquita, influyendo ambos en su obra de juventud, que presenta un marcado acento luminista.

("El Tonto del pueblo" - 1923 - Óleo sanguina y carboncillo sobre lienzo - Colección Particular)

Demostrando una especial preferencia por la ilustración, comienza a practicarla colaborando en revistas y periódicos como “Nuevo Mundo”, “La Esfera”, o “La Libertad” y “Aire Libre”.

En 1925 participa en la Exposición de Artistas Ibéricos celebrada en el Parque del Retiro, Junto a Salvador Dalí, Francisco Bores, Pancho Cossío y Francisco Santacruz.

("La Soledad" - 1927 - Dibujo acuarelado sobre papel - Colección Particular)

Becado por la Junta de Ampliación de Estudios se traslada a París en 1926, residiendo allí hasta 1935, consolidando su prestigio en el mundo de la ilustración y colaborando como ilustrador en publicaciones como “Fémina” y “Vogue”, realizando además escenografías para la compañía de ballet de La Argentinita.

("Baile en el Casino de la Playa" - Ilustración - 1935)

("Baile de Disfraces" - Ilustración - 1935)

Tras el estallido de la Guerra Civil y de nuevo en España, se incorpora al bando franquista y llega a ser uno de los máximos responsables de su imagen gráfica, colaborando en Burgos en la Delegación Nacional de Prensa y Propaganda, ilustrando libros vinculados al alzamiento y trabajando en revistas como “Vértice”.

(Portada de la revista "Moda en España" - 1947)

En 1944 ingresa como profesor en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, compaginando esta actividad con nuevos trabajos de ilustración y de escenografías para teatro.

En esta misma década realiza también labores de restauración, apoyadas por la Diputación Foral Alavesa, así como murales en diversas instituciones de Vitoria.

En 1947 recibe una medalla en la Exposición de Artes Decorativas, que se celebró en Madrid.

("Boceto para escena folclórica" - 1954)

Carlos Sáenz de Tejada fallece en esta misma ciudad, el 23 de febrero de 1958.

("Niño Moro al sol" - 1919 - Óleo sobre lienzo - Colección Particular)

A partir de 1967, su obra pasó por un periodo de olvido con la llegada de la democracia.

("Niña Triste" - 1924-1925 - Óleo sobre lienzo - Coleccion Particular)

Actualmente y desde principios del siglo XXI, su obra está cobrando un merecido reconocimiento.

Fuente de Datos:
*Wiquipedia
*Ciudad de la Pintura
Imágenes:
*Ciudad de la pintura

Joaquín Romero Murube

2010-07-23T20:51:00.000+02:00

Joaquín Romero Murube, falangista, poeta y ensayista de la Generación del 27, publicó un libro de poemas dedicado al asesinato de García Lorca en la Sevilla gobernada por Queipo de Llano, y además consiguió esconder a Miguel Hernández anta las mismas narices de Franco.

Nació Joaquín Romero Murube en un pueblo cercano a Sevilla, Los Palacios, el 18 de julio de 1904, dando muestras de su afición por la escritura desde muy temprana edad.
Enamorado de Sevilla, vivió siempre en esta ciudad, siendo conservador del Alcázar durante muchos años.

“Filo de la medianoche

mi secreto te daría...

¡Sevilla, si tú quisieras

contigo me casaría!”

Murube fue un poeta clasicista, elegante y comedido, que tomó como sus maestros a los grandes líricos sevillanos, desde Rioja a Bécquer o Juan Ramón Jiménez y a los cantores puristas y neopopularistas del 27. Como prosista, se formó sobre todo, con el magisterio de Gabriel Miró y de Juan Ramón Jiménez.
Poeta y prosista exquisito, que llegó a ser amigo de algunas de las figuras mayores de la generación, como Luis Cernuda y Federico García Lorca. Romero Murube gozó de las estimas de sus coetáneos, incluso después de la guerra civil, cuando se vinculó claramente al régimen vencedor.

En 1923 publicó “La tristeza del Conde Laurel” y “Hermanita Amapola” en 1925.
En 1929 escribió “Sombra apasionada”, libro dedicado a Gabriel Miró, donde alterna diversas técnicas narrativas como expresivas: prosas sensitivas y creacionistas, surrealismo, poesías clasicistas y neopopularismos.

Debido a su trayectoria humana y literaria, fue uno de los eslabones entre las generaciones divididas por la guerra civil, dada su vinculación a las vanguardias, siendo impulsor en los años veinte del grupo renovador “Mediodía”. Participó en los homenajes que el “Litoral” y el “Ateneo de Sevilla” tributaron a Góngora en 1927, y que representaron el lanzamiento de su generación.
Su ideal juvenil de silencio y pureza de alma, y sus impresiones y visiones de fondo juanramonianas y d'orsianas dejarán huella en su obra, lo que lo llevó a buscar el puesto como director conservador de los Reales Alcázares de Sevilla, que comenzó a ejercer en tiempos de la Segunda República, cuando pasó la gestión a manos del Ayuntamiento de la ciudad en el año 1934, y que logró conservar a pesar de la oposición del Frente Popular.

De izquierda a derecha: Joaquín Romero Murube, Jorge Guillén, Federico García Lorca, José Antonio Rubio Sacristán y Pepín Bello (Oromana 1935)

También le marcaron Aleixandre, Diego, Alberti, Dámaso y, por encima de todos, Lorca a quien hospeda en su casa varias veces y quien bautizándolo como “la honra y el espejo de Sevilla”, le dedicó estos versos:

“Querido Joaquín,

triste y malandrín, te mando un abrazo”

Enterado del asesinato de García Lorca, Joaquín Romero Murube renegó de la noticia, pues no entendía el motivo por el que lo podían haber asesinado. Dispuesto a demostrar que la noticia era falsa viajó a Granada, corroborando el hecho que lo sumió en la desesperación y la amargura de tal manera, que su desolación le llevó a publicar en plena guerra civil un libro (“Siete Romances”), que durante largos años fue considerado maldito, pues sus versos contenían una condena al asesinato.
El libro vio la luz en 1937, en una edición prácticamente privada debido a los pocos ejemplares editados. La dedicatoria del mismo era bien evidente:

“¡A ti, en Vizna, cerca de la fuente grande, hecho ya tierra y rumor de agua eterna y oculta!"

Muchos desconocían que era aquella “Vizna”, pero a todas luces se refiere a lugar donde Lorca fue asesinado, en Víznar (Granada).
El libro contiene un crudo poema titulado “Romance del Crimen”:

"Al acordeón del puerto

le han estrangulado el cante.

En Argel y Alejandría,

en Melburne y Buenos Aires.

Se han secado las espitas

en el cristal de los bares.

La policía ha prohibido

cierta música en los bailes.

Los niños llevan a casa

pistolas, bombones, guantes.

La sombra quedó cosida

con el cuchillo, a la carne.

Por el asfalto resbalan

serpientes de verde sangre.

En Tokío y en Marsella,

en Liverpool y en el Havre.

Y en todo el mundo la prensa

llevará con gran detalle

a los hogares honrados

cinco columnas de sangre".

En 1939 participó activamente en la Antología poética del Alzamiento que fue preparada por Jorge Villén, haciendo un canto exaltado para que aquello no volviera a ocurrir jamás, dedicando un humanista poema a García Lorca:

“ No te olvides hermano, que ha existido un agosto

en que hasta las adelfas se han tornado sangre,

y que en el claro viento las rosas de la muerte

se abrían en estampido del odio de los hombres.

No te olvides, hermano, que bajo las estrellas

los fusiles han dicho sus postreras palabras

cuando un escorzo de hombro se lleva a las manos

el hueco de las húmedas heridas…”

Cuando terminó la guerra, y vistiendo el uniforme de Falange, Joaquín sigue como conservador de los Reales Alcázares de Sevilla, y es cuando comienza a desempeñar una actuación a escondidas protegiendo a todo aquél perseguido que se acercaba a los muros del alcázar pidiendo ayuda. Allí ocultó al poeta Miguel Hernández justo en los días en que allí se hospedaba Franco. Lo mantuvo escondido esperando que le llegara el momento de ser trasladado a Portugal, donde se le tenía preparada residencia en Lisboa, aunque como ya sabemos, desgraciadamente este proyecto no tuvo buen fin y acabó con la muerte del poeta.

En 1943 publicó Alcázar de Sevilla - Guía turística, y su Pregón de Semana Santa en 1945, Memoriales y Divagaciones entre 1950 y 1951, Lejos y en la mano en 1959 y Los cielos que perdimos en 1964; las tres últimas obras forman su trilogía sobre los espacios de la memoria.
En 1948 publica la obra “Ya es tarde”, y “Pueblo lejano”, elegía dedicada a su pueblo natal.
“Kasida”, es un asomo a la poesía arábigo andaluza, y en “Tierra y Canción”, escribió los últimos versos de su vida:

"¡La muerte, aquí, frente a esta augusta calma

del mar antiguo,

en soledad sonora!...

Pero algo bulle en mi raíz de tierra

que opone, dulce su repulsa leve...

¡Sin mares ni colina,

allá en la dura

tierra caliente, en mi Sevilla eterna!."

Continuó toda su vida al cargo del Alcázar, y allí le encontró la muerte en 1969, de un ataque cardíaco.

“La luz agria de tu barrio

me ronda con tus cristales.

Por entre mis manos fluye

el agua añil de la tarde.

El aire queda vencido

en la pared de mi carne.”

Las esquinas giran locas

alrededor de mi talle.

Pájaros perdidos cantan

porque mi lengua no hable.

La llama de mis cabellos

negra se tuerce en el aire.

Por el cielo va deshecha

la flor de mis voluntades.

¡Ay, se me corta la vida

en el cristal de esta tarde!.

(Lugar)

Fuente de datos:
* Joaquín Romero Murube (Francisco Arias Solís)

Luis Rosales Camacho

2010-07-01T17:26:00.000+02:00

Luis Rosales es un creador profundo que se balancea entre las denominadas generaciones del 27 y el 36. Considerado como el poeta de lo cotidiano, este humanista militante tiene en su haber una obra renovadora y libre, de hondo aliento intimista, en la que el detalle rutinario y aparentemente insignificante se reviste de un rico atuendo poético.

Testigo de las dramáticas visiones de una guerra civil cuyas consecuencias habrían de acompañarle siempre, la producción poética de nuestro protagonista constituye, en sí misma, una honesta autobiografía sentimental, en la que conviven el amor y la nostalgia, el desarraigo y la ternura, la amistad, la ironía, lo popular… En esencia, todo cuanto integra el “contenido del corazón”.

“El recuerdo se teje

Con doble hilo,

Y de cuando en cuando se recuerdan cosas

Que no han sucedido.”

(“¿De qué pie cojea el recuerdo?” – de “Canciones” -1968-1979)

Luis Rosales nació en Granada el 31 de mayo de 1910, en el seno de una familia de acentuada fe católica. Su padre, Manuel Rosales Vallecillos, de carácter conservador y liberal, era un conocido comerciante muy respetado en la ciudad, y su madre, Esperanza Camacho Corona, pertenecía a una familia de ascendencia madrileña, entre cuyos miembros se encontraba el poeta Antonio Corona Camacho, la única referencia artística familiar.

Fue el cuarto hijo de una sucesión de siete.

Sus primeras letras las aprendió en el colegio Calderón de las Hermanas de la Caridad; en 1920 comienza sus estudios de Filosofía y Derecho en la Universidad de Granada.

Su formación literaria se forma en los círculos próximos a la revista “Gallo” de Federico García Lorca.

Tras su primera lectura poética en febrero de 1930, en el Centro Artístico de Granada, establece una relación de profunda amistad con Joaquín Amigo, amigo de Lorca e intelectual prestigioso, que pone en contacto a ambos poetas, durante el verano de 1920, en la Huerta de San Vicente.

En 1932 se traslada a Madrid para continuar sus estudios de Filología en la recién formada Facultad de Letras, y gracias a las cartas de presentación de Federico García Lorca, establece contacto con Pedro Salinas y Jorge Guillén, que gratamente sorprendidos por la calidad de sus versos, le abrieron las puertas de la revista “Los Cuatro Vientos”, donde publicaría sus primeros poemas.

“…No hay noche, no hay luna, no

hay sol cuando estoy contigo,

tiemblo de quererte tanto,

tiemblo de sentirme vivo…”

(“Contigo” – Fragmentos)

De “Los Cuatro Vientos” pasa a colaborar asiduamente en la revista “Cruz y Raya”, integrándose en el círculo de los jóvenes escritores intelectuales que rodeaban a José Bergamín, y que proponían un retorno a la faz humana del mundo, a la introspección y la dimensión ética del arte y de la existencia, es decir, a la “rehumanización de la lírica”.

“Todos compartíamos un cierto cristianismo existencial, abierto a las corrientes intelectuales de la época (…) A mí me interesaban ante todo, Teilhard de Chardin y Gabriel Marcel (…) Entre los españoles, otro par: Unamuno, que fue quien más me incitó a pensar en cosas diversas, y Ortega, que fue quien me amuebló la cabeza, quien me enseñó a pensar, quien me ordenó las ideas hasta hacerlas constituir un todo” (Luis Rosales).

En 1935, bajo el título de Abril aparece el primer libro de Luis Rosales, en el que expresa el ideal de un mundo integrado y bien hecho, y en el que encontramos con una forma discursiva clave en la futura poesía de Rosales: la escritura versicular (por ejemplo Elegía).

“…Como buscarte si estás más cerca siempre.

Cuando la ternura es como un lago que nos cubre los ojos.

Cuando la inquietud no tiene nombre porque el mirar es demasía.

Cuando el hombre se siente definitivamente solo.

Yo tendré que decir que te he perdido.”

(Elegía – 1935)

El inicio de la guerra civil sorprendió a Luis Rosales en Granada donde, integrado en las filas del bando insurrecto y recién afiliado a Falange Española, no pudo salvar la vida de su amigo García Lorca, que habiéndose refugiado en su casa, fue tenido allí y posteriormente fusilado en 1936. Más tarde, en 1937, se trasladó a Pamplona para colaborar con la revista falangista “Jerarquñia”, donde publicó su poema “La Voz de los muertos”, uno de los más importantes de toda la poesía escrito en el bando franquista durante la guerra civil, en el que no encontramos ni tonalidad agresiva ni afán de victoria, un poema que fue considerado como “severo y considerable poema elegíaco, donde se prescinde de los bandos en litigio”.

“Calla. Tienes que oírla. Es la voz de los muertos…

…El amor de la muerte te quitó la hermosura,

Y el mandamiento alegre de la espiga del trigo,

Y el canto verdeante del ruiseñor, el canto

Que acrecienta la efímera duración de las cosas,

Y el espejo, o el cuerpo, de la mujer que amamos…”

(“La voz de los muertos” de “Poemas de la muerte contigua”-1936-1937)

Finalizada la contienda continuó sus trabajos filológicos. También colaboró en algunas de las revistas más significativas de su tiempo “Escorial”, a caballo entre el dogmatismo imperante y los primeros atisbos de un cierto liberalismo incipiente; y “Cuadernos Hispanoamericanos”, , de la que

sería secretario, puesto del que dimitió en 1965 ante la prohibición gubernamental de incluir un artículo de Ramón Garcilasol en el que se denunciaba una de las muchas manipulaciones que durante el franquismo se difundieron sobre el asesinato de Federico García Lorca.

En enero de 1941, con solo cinco días de diferencia, mueren los padres de Luis Rosales y éste se sume en una honda conmoción sentimental que desembocará en la promesa literaria que le hizo a su padre antes de morir: escribir un libro dedicado a su madre. Este libro será “El contenido del corazón”, se cruzó con la escritura de “La Casa Encendida” (1949), y de Rimas (1945), estableciéndose entre los tres un fértil entramado donde temas y recursos se solapan: un canto elegíaco a la figura materna y al mundo familiar desvanecido o roto, donde se reúnen recuerdos que se van borrando, familia que se aleja, amigos que han muerto, domicilios que cambian, ilusiones que ya no serán, como la necesidad de conservar el calor de lo perdido: un padre y una madre que se fueron antes de lo esperado.

“Madre, que yo he de nacer en tanto viva,

Que no te quedes huérfana de hijo,

Que no te quedes sola allá en tu cielo,

Que yo te falte yo como me faltas.”

El eje fundamental de la poesía de Luis Rosales (reunión frente a ruptura o lejanía) confluye con otro más visible, el que va de la “confianza en la memoria” a la “incertidumbre de los naufragios”, ineludibles de la vida diaria. Estos dos ejes encuentran su mayor armonía y desarrollo magistral en “La Casa Encencida” , donde se expresa la poesía de Luis Rosales: del naufragio irremediable a la memoria esperanzada, de la ruptura ineludible al deseo de confluencia o reunión.

Tras un largo paréntesis de silencio poético, Luis Rosales publicó “Diario de una Resurrección” (1979) y “La Almadraba” (1980), primer episodio de “La Carta Entera”, ambicioso proyecto poético en cuatro episodios que sólo llegaron a publicarse los dos siguiente: “Un rostro cada Ola (1982) y “El silencio universal del miedo” (1984).

Luis Rosales recibió el premio Cervantes en 1982; en 1986 la Fundación Rodríguez Acosta de Granada le concedió la Medalla de Honor.

Murió el 24 de octubre de 1992, en Madrid, en la clínica Puerta de Hierro.

“…mientras recuerdo madre,

Madre, mientras recuerdo

Que hemos vivido el mismo corazón durante largos meses,

Que yo he vivido de ti misma durante nueve meses,

Que yo…

Que tú lo sabes,

He vivido doliéndote…”

(de “La casa encendida” – 1948-1967)

“He dejado manuscritos dormitados durante muchos años. No he terminado nunca nada de lo que he empezado. Proyecto con demasiada ambición, quiero redactarlo con justeza y no me llega ni el tiempo ni la ilusión. Moriré cualquier día siendo un escritor en ciernes”.

(Confidencias de Luis Rosales en junio de 1979 cuando presentaba “Diario de una resurrección” en la librería Antonio Machado de Madrid).

Fuente de Datos:
Introducción de José Carlos Rosales a “Ayer Vendrá” – Poemas escogidos de Luis Rosales – Junta de Andalucía – Consejería de Cultura.

Manuel García Y Rodriguez - III - Paisajes

2010-06-04T19:05:00.000+02:00

("Camino con jinete con el castillo de Alcala" - 1899. acuarela sobre papel - coleccion El Monte - Sevilla)

("Vereda antigua a Sevilla.1900" - Acuarela sobre papel - coleccion particular Sevilla)

Después de la etapa pionera de los años ochenta y noventa del paisajismo en Alcalá, al lado de Sánchez Perrier, pasó a ser un prolífico pintor de escenas reales y trasusntos de paisajes recompuestos o escenificados en el estudio.

De sus variados apuntes y estudios de rincones y detalles pintorescos de cauces, orillas con huertas y embarcaderos, los caminos y veredas dieron otro de los motivos por él frecuentemente tratados, en especial como ilustraciones para publicaciones y revistas, que deben mucho a encuadres fotográficos, o en obra menor como acuarelas y gouaches, a cuya línea de trabajo parecen corresponder, ya en el último tránsito del nuevo siglo, los siguientes ejemplares.

("Tren el tramo Alcala-Gandul" - 1886 - Oleo sobre tabla colección Antonio Plata)

La estrecha relación entre el ferrocarril y el desarrollo del paisaje primero en la geografía europea, y posteriormente en la nacional. A medida que se fue cubriendo una red sobre el territorio. Una relación a la que el fenómeno de los pintores tampoco se sustrajo.

La rivera del guadaira con san roque en alcala 1886 oleo sobre lienzo colección particular Sevilla

Esta interesante pintura de especial calidad, pone en relieve los conceptos plásticos propios de la mentalidad del paisaje realista y la comunión de intereses tanto temáticos como ideológicos en los primeros años dl trabajo del autor al lado de Sánchez Perrier; los álamos, el parco cauce del río a la izquierda de la composición, y los campanarios de la población recortándose sobre el nuboso cielo, con el cerro del Calvario coronado por la ermita de San Roque. Todo ello en un ambiente de fines de otoño, o plenamente invernal.

Momentos melancólicos y de recogimiento del paisaje, por los que la sensibilidad de raíz romántica de los pintores, en esta primera etapa de la pintura de paisajes en Alcalá, se sintieron atraídos, y a los que tan aficionados fueron, por transcribir sensaciones solitarias de la vida rural y de la solitaria percepción de la naturaleza.

("Paisaje tras la lluvia en la Venta de la Platilla en Alcalá".1885.Oleo sobre lienzo. Colección particular. Sevilla)

Esta interesante pintura de tono realista debe pertenecer a los primeros años de trabajo en Alcalá de García Rodríguez, hacia la década de los años ochenta, al lado de pintores como Sánchez Perrier o Pinelo. El encuadre se sitúa en el camino ribereño, que se inicia en las inmediaciones de la Venta de la Platilla, que aparece aislada con su porche y su chimenea humeante, tras un día de abundante lluvia. Por el camino con charcos, entre pitas y olivares, transita un burro con una campesina, mientras que al fondo, bajo un cielo nuboso se divisa el molino de la huerta de La Tapada y el Cerro del Calvario con la Ermita de San Roque. Una escena muy novedosa para los conceptos de paisajes esgrimidos en la pintura sevillana de entonces, a pesar de la pequeña anécdota costumbrista del personaje aparece impregnada también de ese sentimiento melancólico e intimista con el que siempre intenta justificar la mera presencia sentimental de los elementos de la naturaleza en el cuadro.

Un sentimiento común en todos los artistas paisajistas sevillanos, así como a sus compañeros de generación.

("Huerta ribereña con álamos" . 1900 . Procede del mercado argentino . Colección Remedio Delgado Sevilla)

A medida que avanzan los años la producción paisajística de García Rodríguez parece que se va relajando en una seria de paisajes recompuestos y teatrales, que en muchos casos va más allá de lo meramente pintoresco o incluso preciosista; pero siempre basados en rincones previamente estudiados del natural.

De los contagios de la estética del naturalismo, con sus visiones veristas, casi parafotográficas, García Rodríguez se decanta por composiciones idílicas y de ambientes ensoñados, casi a modo de una ilustración poética o de telón de obra de teatro bucólica; donde en muchos casos aparecen recogidos

rincones de huertas y fincas, con es el caso de esta huerta ribereña con álamos que aluden al Guadaíra, sus entornos, en donde se detectan ya rasgos que apuntan a estéticas propias del Modernismo.

("Lavanderas en el Guadaira (Ribera con embarcadero)" - oleo sobre lienzo- colección particular Sevilla)

La ingente producción paisajística de García Rodríguez registró una amplia variedad de composiciones y puntos de vista del paisaje de Alcalá de Guadaira, desde los sensibles e intuitivos, a los más evidentes y descriptivos: una profusión de escenas que en muchos casos se identifica ron necesariamente como escenarios costumbristas, teniendo el paisaje una justificación en cuanto a la presencia de personajes, lo cual otorgó al artista una notoria fama y popularidad, también como ilustrador asiduo de revistas y publicaciones.

En realidad, si exceptuamos sus primeros paisajes de la década de los ochenta o las visiones de los paisajes de costa, sus interpretaciones paisajísticas generalmente obedecen al concepto de “paisaje de composición”, siempre recreado en el estudio del pintor y siempre con alguna concesión preciosista o veleidades de ello.

Manuel García Y Rodríguez - II

2010-05-15T21:51:00.002+02:00

("Patio andaluz con niños" - 1906)

La temática del paisaje cultivada por el artista en los años finales del siglo XIX parece ampliarse a otros parajes, como el Albaicín granadino o las costas de Cádiz, haciéndose extensiva también a vistas del puerto y rincones costeros, en la línea del ramal del ferrocarril de El Puerto de Santa María, Rota, Chipiona y Sanlúcar de Barrameda, localidad esta última dónde el pintor pasará las temporadas de verano, concretamente en las inmediaciones de la playa de La Jara, muy concurrida por cierta burguesía andaluza y lugar predilecto de descanso y curas salutíferas, donde el artista poseyó una villa de recreo, por nombre “La Marquesita”. Allí realizará vistas panorámicas de la desembocadura del Guadalquivir, playas y entorno agrícola residencial.

("Playa")

("Pueblo en el Mediterraneo")

Quizás a partir de este momento, y más tardíamente en las primeras décadas del nuevo siglo, su obra parece contagiarse de ciertos efectos lumínicos, por los que también comienza a interesarse otros paisajistas sevillanos, como López Cabrera, Gonzalo Bilbao o González Santos. Atraídos ya por la órbita impresionista y la fascinación y el reconocimiento que por aquellas fechas despertaría la pintura de Joaquín Sorolla.

("Patio Sevillano")

Tras contraer matrimonio, fruto del cual tuvo cuatro hijos, ya en plena madurez el artista llega a un nuevo reconocimiento: en 1889 es nombrado miembro de la Academia de San Fernando de Madrid, año en que participó en la Exposición Nacional con “Camino en Alcalá de Guadaira”.

("Patio andaluz" - 1919)

Al año siguiente volvería con “Mañana de otoño a orillas del Guadaira”, “Orillas del Guadalquivir en Sevilla” y “Jardín sevillano”. Este mismo año también en Madrid, asiste a la exposición organizada por Blanco y Negro con el dibujo “Cigarrera Sevillana”.

("Orillas del rui Guadaira")

En 1904 realiza un nuevo viaje a Marruecos del que se conocen algunas vistas de Tánger y envía a la Nacional “Tarde de Enero a Orillas del Guadaira” “Patio de los Naranjos de La Catedral” “El Cerro de San Roque en Alcalá” y “Lavanderas del Guadalquivir”. También firma en Granada algunas vistas del Albaicín y notas pintorescas.

("Una escena callejera con una mezquita, Tánger")

("Patio Andaluz" - 1915)

En los años de la segunda década del nuevo siglo, García Rodríguez alcanzará el mayor grado de difusión de su obra y fama personal, coincidiendo con un momento de prosperidad económica en los años de la Gran Guerra y siguientes, en los que el pintor parece ser el paradigma del paisajismo sevillano, con nuevas incorporaciones y puntos de vista, entre lo castizo y lo tradicional, pasando por lo historicista, o los rasgos donde se detectan estéticas modernistas e impresionistas, aún muy lejos de la ortodoxia plástica y conceptual de este movimiento, pero donde se asume una nueva valoración de lo pictórico y luminoso que refresca algo de su pintura, centrada ahora en patios, parques, compases y jardines.

("Madre e hija cosiendo en un patio")

De ahí las ilustraciones “Patio del yeso del Alcázar de Sevilla” y “Jardín del Buen Retiro del Alcázar”, reproducidas en la revista La Esfera en 1914.

("Jardines del Alcázar de Sevilla")

En 1919 formó parte de la Comisión de Monumentos de la ciudad de Sevilla.

A partir de estos años reparte su actividad entre Madrid y Sevilla, enviando series de paisajes a cada convocatoria de las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, y a las organizadas en Sevilla por la Sociedad Económica de Amigos del País o al Centro de Bellas Artes del Ateneo, del que fue miembro activo de 1902 a 1903.

("Jardines de las Delicias")

Los últimos años de su vida serán de una especial fecundidad, especialmente en lo que se refiere a sus paisajes del Alcázar sevillano, ampliados previamente a la Exposición Iberoamericana de 1929.

También en los años veinte, y ya próximo su fallecimiento, descubre la ciudad de Ronda con sus encuadres pintorescos, inaugurando un nuevo proyecto pictórico, que inicia realizando algunas notas y apuntes.

En Esta actividad, tras una vida tranquila y hogareña, de carácter tranquilo y alejado de la vida social, le sorprende la muerte en Sevilla, el 6 de mayo de 1925.

Manuel García Y Rodriguez - I

2010-04-30T20:25:00.001+02:00

("En el pozo")

Manuel García Rodriguez es un importante pintor sevillano discípulo de Eduardo Cano y Manuel Wssel de Guimbarda. Desde muy joven obtuvo la Tercera Medalla en la Nacional de 1887 y la Segunda en las de 1890 y 1895. Destacó en el género del paisajismo como podemos apreciar en esta obra en la que la figura no pasa de ser un mero pretexto para la realización del paisaje. Sus lienzos reflejan su tierra sevillana en sus rincones más típicos como muy bien señala Luis Quesada: "Si tomó como sujetos de sus lienzos las orillas del Guadalquivir y del Guadaira y los pinares de Alcalá, fueron los rincones del Alcázar y de los barrios sevillanos los que más motivos proporcionaron a sus pinceles

García Rodríguez pertenece al grupo de pintores sevillanos pioneros en la pintura de paisaje, conocido como la Escuela de Alcalá. Este grupo frecuentaba los aledaños y extramuros de esta localidad sevillana, cuyos rincones y vistas de las orillas del Guadalquivir convirtieron en una constante dentro de su producción.
En un ejemplo típico de su obra pictórica, nos presenta un paisaje de los alrededores de Sevilla, ciudad que también representó en multitud de pinturas tomando preferentemente como tema las vistas del río y los encuadres del puerto.

(Paisaje del río Guadalquivir con Sevilla al fondo - 1912)

Nacido en 1863 en el seno de una familia tradicional sevillana, recibe una esmerada educación religiosa que le lleva a ingresar muy tempranamente en el seminario diocesano, donde principia estudios para la carrera sacerdotal. Educación que completaría con otros estudios de enseñanza media en el instituto local donde obtiene el título de bachillerato. También simultanea los de música y pintura, para los cuales parece especialmente dotado. Una vez renuncia a la carrera eclesiástica, esta habilidad le permitiría subsistir pintando abanicos y motivos ornamentales en objetos decorativos.

Conscientes sus padres de la afinidad hacia las artes y su facilidad de dibujo, le hacen tomar clases con el pintor local José de la Vega, perteneciente junto a sus hermanos Pedro y Francisco, a una familia de pintores costumbristas sevillanos, ligados estrechamente a la recién creada Academia Libre de Bellas Artes de Sevilla y cultivadores de un realismo minucioso y descriptivo, dentro aún de la tradición romántica de la pintura sevillana de mediados de siglo XIX.

Tras esta primera formación artística, pasa a matricularse en la Escuela de Bellas Artes e Industrias de Sevilla. Allí recibirá las enseñanzas de Manuel Wssel y Eduardo Cano, y conectará con otros jóvenes artistas sevillanos de la misma generación como Fernando Tirado, Virgilio Mattoni, Sánchez Perrier, José Arpa, Rico Cejudo, etc.
En este ambiente, activado por la presencia en Sevilla de aquellos dos maestros, el joven Manuel García Rodríguez se inicia en la carrera de pintor, centrándose primeramente en la disciplina del estudio de figuras; pero determinadas circunstancias, entre ella la impronta y la fascinación ejercidas por Martín Rico y Fortuny en los jóvenes artistas sevillano, así como los éxitos comerciales durante los primeros viajes de Sánchez Perrier al extranjero, le hacen inclinarse por el cultivo del paisaje. A lo largo de su vida de pintor será ésta prácticamente su exclusividad especial.

("En el Guadalquivir")

Este interés juvenil hacia el paisaje debió de llevarle a realizar alguna estancia madrileña aún no documentada, pero en la que entraría en contacto con el ambiente en torno a C. Haës. Tras su vuelta a Sevilla hemos de imaginarlo vinculado al círculo de artistas integrantes de la Academia Libre, con claves pictóricas aprendidas del paisaje de tono realista, y atento siempre a las enseñanzas y experiencias de los jóvenes pintores sevillanos que entonces se aventuraban en el mercado extranjero, muy activo por aquellas fechas en Francia una vez concluida la guerra franco-prusiana.

En los años que comprenden la primera mitad de la década de los años ochenta, en torno a la veintena de años del artista, su pintura parece seguir muy de cerca la producción de Emilio Sánchez Perrier, hasta el punto de poder pensarse en una vinculación de discípulo y de amistad cordial, propia de compañeros de tareas paisajísticas que compartían sesiones al aire y los desplazamientos. En especial a la población cercana a Sevilla, Alcalá de Guadaira y las inmediaciones de las riberas y márgenes del Guadalquivir.
Estas actividades aparecen confirmadas en los títulos de las obras enviadas en agosto de 1885 a la Academia de Bellas Artes de Cádiz: “Orillas del Guadaira “ y “Molino de Oromana en el Guadaira”, o en la Ilustración Española y Americana en 1884), donde sigue los conceptos y la técnica de los dibujos a plumilla de M. Rico y sus seguidores, en que la capital andaluza ya cultivaban tabletines con vistas urbanas que abastecían el mercado de souvenirs de calidad, fundamentalmente con salida al extranjero.

("Molino de El Algarrobo con lavanderas"1917-Acuarela sobre papel - Coleccion Mena Sevilla)

(" Rivera del Guadaira con adelfas y alamos" - 1917- acuarela sobre papel - coleccion particular sevilla)

En 1886 nuevamente colaborará con ilustraciones, esta vez en el número especial del Homenaje a Gustavo Adolfo Bécquer publicado por la Ilustración Artística, donde participaron la mayor parte de pintores sevillanos activos en la ciudad; los dibujos enviados eran “El Monasterio de San Jerónimo” y “Una Aguja de la Puerta de la Barqueta.”
El siguiente año participa por primera vez en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid, certamen al que acudirá prácticamente en todas sus convocatorias a lo largo de su vida de artista. Este mismo año envía “Orillas del Guadalquivir”, por la que recibió una medalla de tercera clase.
En 1888 participa en la Exposición Universal de Barcelona, también con una obra de temática local, “Sevilla”; junto a Sánchez Perrier y de Rico, Ramos Artal, Meifrén, Rusiñol y los también sevillanos Jiménez Aranda y Gonzalo Bilbao.
En la sección española de la Exposición Universal de Paris de 1889 lo hará nuevamente con “Un Jardín de los alrededores de Sevilla”.

("Jardín en Sevilla")

Su reconocimiento, al menos a nivel nacional, llegará en la Exposición nacional de 1890, a la que envía los paisajes “San Benito de Calatraba de los alrededores de Sevilla” y “la Tarde”, de temática de la ribera de Alcalá, y por la que recibió una segunda medalla. Este hecho marcará una presencia clara del paisajismo sevillano a partir de este momento, como un hecho más de actualización artística dentro de una nueva escuela sevillana.
Su obra comienza a adquirir una gran difusión, hasta el punto de lograr una gran popularidad conseguida con la asidua colaboración de Ilustraciones en revistas ilustradas y la frecuente participación en certámenes y exposiciones.

("Alimentando a las aves en un patio")

En 1891 su obra “Entrada a una huerta en Sevilla” es adquirida por el Museo de Barcelona en la I Exposición General de Bellas Artes. Al igual que su obra “Sevilla”, adquirida por el estado de Prusia en la Exposición Internacional de Berlín; de ese mismo año es la obra “Diciembre en Sevilla”, hoy en el Museo Nacional de Cuba, de La Habana.
En 1892 vuelve a la Nacional de Madrid con “Mañana de Invierno”, “El Verano”, “Otoño”, “Santa María de la Rávida” y “Jardín de Capuchinos”.
En 1893 envía a la Exposición Universal de Chicago “El Verano” y participa con “Calle de Granada”, “Mañana de Marzo en Sevilla” y “La casa del gobernador de Tanger” en la Exposición de Munich, lo cual revela una excursión temporal a Marruecos, recientemente también visitado por otros sevillanos como Sánchez Perrier o Gonzalo Bilbao.
De nuevo volverá a la Nacional con dos obras” Sevilla” y “La presa del molino del Arzobispo” y “Paisaje de la rivera de Alcalá” con la que vuelve a ser galardonado, esta vez con una segunda medalla. En este periodo parece continuar con una temática similar, dentro del mismo tono anterior realista, minucioso, pintoresco y descriptivo de costumbres, en un medio placentero, bucólico y escenográfico. Intencionadamente adscrito como paisajista, a las nuevas adaptaciones y asimilaciones del renovado costumbrismo sevillano, muy pujante y productivo en estas fechas, con figuras emblemáticas como García Ramos.

("Rivera en Alcalá" - 1908)

En 1897 lleva a la Nacional Madrileña “Crepúsculo vespertino” “Noviembre en Sevilla” y “En la Azuda”. En Sevilla también participa en la exposición organizada por el Ateneo con “Camino en la vega”, “Sevilla”, “Paisaje con álamos”, “Patio Mudéjar sevillano”. “Vista del Guadalquivir” y “Pelando la Pava”.

("En las afueras de la ciudad")

("Estudio de álamos de rivera" - 1896 - Oleo sobre lienzo - Colección particular Sevilla)

En estos años también colaborará con ilustraciones en nuevas revistas ilustradas como Blanco y Negro a la que se verá vinculado varias veces enviando acuarelas y gouaches de escenas con tipos de rincones andaluces.

Rosalía De Castro, Precursora De La Modernidad Poética

2010-04-14T19:55:00.002+02:00

No se podría decir que la vida de Rosalía de Castro fuera un lecho de rosas. Ya desde su nacimiento hubo hechos en ella que indiscutiblemente la marcaron de por vida y que inevitablemente influyeron en su obra, y que se reflejan tanto en la poesía como en la prosa, pero que a la vez la dotó de la sensibilidad tan presente en su trabajo.

Poeta Posromántica, Rosalía de Castro nace en Santiago de Compostela el 24 de febrero de 1837. Su madre fue María Teresa de la Cruz de Castro y Abadía, nacida el 24 de noviembre de 1804, soltera y perteneciente a una familia de noble hidalguía venida a menos, que tenía 32 años cuando nació Rosalía.
Su padre fue José Martínez Viojo, sacerdote nacido el 7 de febrero de 1798 y que contaba treinta y nueve años.
Fue bautizada con los nombres de María Rosalía Rita, y debido a que era fruto de madre soltera y padre sacerdote, en su partida de nacimiento figura como “hija de padres incógnitos”, pero especificándose que no había pasado por la inclusa. Igualmente por estos motivos no existe prueba documental acerca de la identidad del padre, quien tampoco pudo reconocerla ni legitimarla, aunque si se interesó por ella.

Según parece estos hechos no consiguieron ser superados ni afrontados por su madre. El hecho de un nacimiento para ella sacrílego, y el que la niña figurara en la partida de nacimiento como hija de “padres incógnitos”, así como la presión socia, pudieron más que ella y dejó a la recién nacida bajo la protección del padre, quien a su vez la delegó al cuidado de sus hermanas, María Josefa y Teresa, las cuales se hicieron cargo de la niña durante un tiempo y llevándola a vivir con ellas, a la casa familiar “Casa do Castro”, y después a Padrón.

Sin embargo Teresa no llegó a estar del todo desvinculada de su hija, ni tampoco mucho tiempo separada de ella, pues existen documentos en el Registro del Ayuntamiento de Padrón, en los que figuran que en aquella localidad reside doña Teresa de Castro, con su hija Rosalía y una criada llamada María Martínez. Igualmente aclara que El estado civil de Teresa es el de soltera. Por la fecha en la que está datado el documento se deduce que Rosalía cuenta con cinco años de edad, por lo que se sigue desconociendo cual fue el momento exacto en el que la madre recupera a su hija para llevársela a vivir con ella.

Aunque como ya se ha apuntado se desconoce el momento en que madre e hija se reunieron y comenzaron a vivir juntas, si hay constancia del gran amor y compenetración que existía entre ambas. Para Rosalía su madre era la pura imagen de mujer enamorada y seducida por el hombre, en un principio apocada por el hecho pero que resurge posteriormente para reconocer ante la sociedad el fruto de su pasión redimiendo así su “pecado”, hecho que Rosalía hace constar en su obra “La hija del mar”, homenajeando así el valor de su madre refiriéndose en dicha obra a una hija expósita:
«Hija de un momento de perdición, su madre no tuvo siquiera para santificar su yerro aquel amor con que una madre desdichada hace respetar su desgracia ante todas las miradas, desde las más púdicas hasta las más hipócritas».

Rosalía creció con una salud débil y la enfermedad siempre acechando, lo que no fue impedimento para que desarrollara una gran personalidad, de recio carácter y siempre al lado de los desvalidos.
El 10 de octubre de 1858. Rosalía se casa con Manuel Murguía, erudito cronista de Galicia. Al año siguiente Rosalía da luz a su primera hija, Alejandra, a la que han de seguir seis hijos más.
y la convivencia con su madre queda interrumpida esporádicamente, para ser definitiva en 1862, cuando Teresa muere repentinamente.
El hecho sume a Rosalía en la desolación y muestra su desgarro y dolor en un librito de poesías que titula “A mi madre”. La soledad y el abandono que el trágico episodio produjo en ella, permanecería a su lado hasta su muerte.

(Rosalía con sus hijos)

Fruto de su matrimonio nacieron siete hijos:

Alejandra, nacida en mayo de 1859 en Santiago de Compostela, casi a los siete meses exactos del matrimonio de sus padres. Murió en 1937.
Aura, nacida en diciembre de 1868 (obsérvese el largo intervalo sin descendencia). Murió en 1942.
Gala y Ovidio, gemelos, nacidos en julio de 1871. La primera murió en 1964; Ovidio, en 1900.
Amara, nacida en julio de 1873. Murió en 1921.
Adriano Honorato Alejandro, nacido en marzo de 1875, murió en noviembre de 1876 a consecuencia de una caída.
Valentina, nacida muerta en febrero de 1877.
Todos murieron antes que ella.

La vida de Rosalía de Castro estuvo por entero dedicada a su marido y a sus hijos, y nunca aspiró a la fama. Las obras que publicó lo hizo a instancias de su marido.
El cáncer se cebó con su vida y la mantuvo bajo la enfermedad en soledad, tal y como Rosalía detalla en una de las muchas cartas que le a su marido escribió mientras se apagaba lentamente:

«Mi querido Manolo: No debía escribirte hoy, pues tú me dices lo haga yo todos los días, escaseas las tuyas cuanto puedes, pues casualmente los dos días peores que he tenido, hasta me aconteció la fatalidad de no recibir carta tuya. Ya me vas acostumbrando, y como todo depende de la costumbre, ya no hace tanto efecto; sin embargo, estos días en que me encuentro enferma, como estoy más susceptible, lo siento más. Te perdono, sin embargo, aunque sé que no tendrías otro motivo para no escribirme que el de algún paseíto con Indalecio, u otra cosa parecida…».
”Estando lejos de ti vuelvo a recobrar fácilmente la aspereza de mi carácter que tú templas admirablemente, y eso que, a veces, me haces rabiar, como sucede cuando te da por estar fuera de casa desde que amanece hasta que te vas a la cama, lo mismo que si en tu casa te mortificasen con cilicios».

Años después Manuel escribiría:

«Como ya se acercan los días de la muerte, he empezado por leer y romper las cartas de aquella que tanto amé en este mundo. Fui leyéndolas y renovándose en mi corazón alegrías, tristezas, esperanzas, desengaños, pero tan llenas de uno que en realidad, al hacerlas pedazos, como cosas inútiles y que a nadie importan, sentí renovarse las alegrías y dolores de otros tiempos.
Verdaderamente la vejez es un misterio, una cosa sin nombre, cuando he podido leer aquellas cartas que me hablaban de mis días pasados, sin que ni mi corazón ni mis ojos sangraran. ¿Para qué?, para que me decían. Si hemos de vernos pronto, ya hablaremos en el más alla».
Rosalía de Castro murió de cáncer a los cuarenta y ocho años y medio en su casa de Padrón.
Antes de morir pidió que sus restos descansaran en el cementerio de Adina, de Iria Flavia. En 1891 su cuerpo fue exhumado y trasladado al Panteón de Gallegos Ilustres, en la Iglesia de Santo Domingo de Bonaval en Santiago de Compostela.

Sus primeros versos los compuso cuando contaba doce años de edad, y a los diecisiete publicó su primer libro “La Flor”(1857) en donde se precibe una notable sinceridad de sentimientos, sobresaliendo lo trágico de la existencia.

“...En las riberas vagando

de la mar, las verdes olas

mira Argelina y contando

las horas que van pasando

vierte lágrimas a solas...”.

(La Flor - 1857)

“...Yo tuve una dulce madre,

concediéramela el cielo,

más tierna que la ternura,

más ángel que mi ángel bueno.

En su regazo amoroso,

soñaba... ¡sueño quimérico!

dejar esta ingrata vida

al blando son de sus rezos... “

(“A mi madre” 1863)

Igualmente en 1863 publica “Cantares gallegos” ,un acontecimiento cultural de primer orden en el panorama literario en lengua gallega.

"...Has de cantar,

meniña gaitera;

has de cantar,

que me morro de pena.

Canta, meniña,

na beira da fonte;

canta,daréiche

boliños do pote..."

“La Hija del Mar”, publicada un año después de su matrimonio, es una novela romántica de tintes folletinescos, y en “Flavio” sobresale un interés sociológico cuyos personajes están cargados de una fuerte pasión que revela una gran fuerza creadora.

Ya en su madurez escribió “Ruinas” y “El Caballero de las Botas Azules”.

En “Follas Novas”, (1880) su último libro de poemas en gallego, Rosalía desata su corazón en unos poemas que dejan entrever la visión sombría de la existencia humana.

Su obra maestra en castellano, y la última obra que publicó en vida, es En las orillas del Sar (1884), versos de tono íntimo, de extraña penetración y de profunda resonancia humana.

“...Inexplicable angustia

hondo dolor del alma,

recuerdo que no muere,

deseo que no acaba...”

Merece ser considerada, al lado de Gustavo Adolfo Bécquer, como la precursora de la modernidad poética impulsada por la creencia en la impureza de formas e ideas, en la sinceridad, en el desnudamiento retórico y en la experimentación rítmica y métrica.

Fuentes de Datos:
*Biografías y Vidas
*Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes

Juan Martínez Montañés

2010-03-30T08:42:00.001+02:00

("El discípulo amado" - 1632 - Retablo parroquia San Leandro - Sevilla)

(Juan Martínez Montañés-Oleo de Francisco Varela- 1619-Ayuntamiento de Sevilla)

Juan Martínez Montañés, conocido por “el dios de la madera” o “lisipo andaluz” creó escuela en Sevilla Sus influencias se extendieron mucho más allá de la ciudad, y pudieron seguirse en numerosos imagineros barrocos de toda Andalucía.

Nace Juan Martínez Montañés, en el año 1568 en Alcalá la Real, (Jaén), hijo de Juan Martínez, de oficio bordador y conocido como “Montañés”, procedente de Zaragoza y avecindado en Alcalá la Real. Su madre, la alcalaína Marta González, descendía por línea materna de los conquistadores y primeros pobladores de esta población. Fue bautizado el 16 de Marzo de 1568 en la iglesia parroquial de Santo Domingo de Silos, siendo el único varón de los seis hijos que tuvo el matrimonio.
El destino quiso que de sus cinco hermanas tan solamente dos llegaran a la edad adulta, manteniendo con ellas una estrecha relación, sobre todo con la menor, Thomasina. La muerte de ésta acontecida en 1619, adentró al escultor en un periodo depresivo y de decaimiento, lo cual lo hizo proclive a reacciones violentas y a crisis depresivas.

(San Bruno - 1634)

En 1579 se trasladó a Granada al taller de Pablo de Rojas para comenzar su formación escultórica.

En 1582 se traslada de nuevo a Sevilla,comenzó a trabajar en un taller de escultura que pudiera ser el de Gaspar Núñez Delgado, quedando impresionado por los manieristas que trabajaban iniciando la escuela escultórica hispalense. De entre otros sobre salen como sus grandes maestros especialmente Jerónimo Hernández, Gaspar Núñez Delgado y Andrés de Ocampo.

(San Cristobal - 1597)

En 1587 contrae matrimonio con Ana de Villegas, hija del ensamblador Juan Izquierdo. El matrimonio engendraría cinco hijos.

Se examinó ante el tribunal en 1588 ante los alcaldes veedores gremiales, los insignes imagineros Gaspar del Aguila y Miguel Adán, para acreditar su sapiencia en la cultura y en el diseño de retablos, siendo considerado “hábil y suficiente para ejercer dichos oficios y abrir tienda pública, para ejercer las tareas de escultor entallador de romano y arquitecto de retablos". Se estableció en la colación de la Magdalena, viviendo en la calle de la Muela.

(La Inmaculada - Catedral de Sevilla)

El mes de agosto de 1591 un lamentable episodio lo obliga a permanecer dos años en la cárcel: fue acusado de homicidio al verse implicado en el asesinato de un tal Luis Sánchez. En la cárcel permaneció durante dos años, quedando absuelto por la viuda del extinto previa entrega de cien ducados.

En 1613 fallece su esposa y Martínez Montañés contrae nuevo matrimonio en 1614 con Catalina de Salcedo y Sandoval, hija del pintor Diego Salcedo. Con esta segunda esposa tendría siete hijos. De todos los hijos que tuvo en sus dos matrimonios, cuatro abrazaron el estado ecleciástico.

Hombre de vida ordenada y profundamente religiosa, defendió ardientemente la concepción inmaculada de la Virgen María, siendo miembro activo de una agrupación religiosa que defendía la causa, lo cual le creó conflictos con la Santa Inquisición, que en 1624 confiscó los archivos de la citada congregación, y como consecuencia en 1620 solicitó que se hiciera información para acreditar su limpieza de sangre.

(Juan Martínez Montañés pintado por Velázquez)

En 1635, contratado para modelar el barro el busto del rey Felipe IV, se traslada a Madrid, en donde pasa seis meses hasta terminar el trabajo. Fue durante este periodo cuando fue pintado por Francisco Varela cuando contaba la edad de 47 años. También fue pintado por Velázquez cuyo lienzo se encuentra en el Museo del Prado.

(El Niño del Sagrario - 1606 - Cofradía Sacramental del Sagrario - Sevilla)

Juan Martínez Montañés fallece en Sevilla, en el año 1649, a la edad de 81 años. víctima de la epidemia de peste que asoló la capital y fue enterrado el 18 de junio en la antigua parroquia de la Magdalena.
Su obra
Juan Martínez Montañés fue el máximo exponente de la escuela sevillana de imaginería, gozando de gran fama y popularidad.

(Cabeza del Cirineo)

Aunque existen indicios de que en su primera etapa trabajó la piedra, durante toda su vida sobresalió en la madera policromada, siendo conocido popularmente como “lisipo andaluz” y “el dios de la madera” por el gran manejo que tenía de la misma y la facilidad para tallarla, captando a la perfección la sensibilidad popular en sus imágenes.

Su obra la realizó casi exclusivamente de carácter religioso en madera policromada. Pocas obras se le conocen en el campo profano, como las estatuas orantes de Alonso Pérez de Guzmán y su esposa María Alonso Coronel.

(Alonso Pérez de Guzmán y su esposa María Alonso Coronel)

Compuso esculturas, relieves, retablos e imágenes procesionales. Para estofarlas y encarnarlas recurría a expertos y conocidos pintores que colaboraban con él, como por ejemplo Francisco Pacheco

("Las dos Trinidades" - 1609 - Iglesis de San Ildefonso - Sevilla)

Fue un gran escultor de retablos que ejecutaba tanto para España como para América, todos ellos de estética clasicista, que se destinaban a las capillas mayores de templos o a lugares laterales.

("La adoración de los Reyes Magos - Retablo Mayor del Monasterio de San Isidoro del Campo - Santiponce - Sevilla)

Realizó retablos mayores para el monasterio jerónimo de Santiponce (Sevilla), para el convento sevillano de Santa Clara, el de la parroquia de San Miguel en Jerez de la Frontera (Cádiz), y el de la parroquia de San Lorenzo en Sevilla, entre otros.

(Autorrelieve dedicado a San Miguel-Iglesia de San Miguel-Jerez de la Frontera (Cádiz)

Merecen especial mención los maravillosos relieves de la Natividad y Epifanía, en Santiponce, y el Bautista y el Evangelista del mismo lugar.

(Relieve de retablo "La Natividad" 1604 - Monasterio jerónimo Santiponce)

(San Juan Bautista)

(San Juan Evangelista)

San Ignacio de Loyola, imagen de candelero para vestir de 1,67 m. de alto. Fue realizada en 1610 con motivo de la beatificación de este santo en 1609, y policromada por Francisco Pacheco. Se encuentra en la Iglesia de la Anunciación de Sevilla

San Francisco de Borja, imagen de candelero realizada entre 1624 y 1625 de 1,67 m. de alto que se encuentra en la iglesia de la Anunciación. Se realizó con motivo de la beatificación del santo.

(Santa Ana maestra de la Virgen, iglesia del Salvador - Sevilla)

Los trabajos que realiza Martínez Montañés para la imaginería procesional son de talla completa, excelentemente dibujadas, talladas y policromadas, entre las que sobresale Jesús con la Cruz al hombro, conocido como Pasión en una cofradía sevillana.

(Nuestro Padre Jesús de la Pasión - Iglesia del Salvador - Sevilla)

Juan Martínez Montañés fue un escultor que estuvo a caballo entre el arte del Renacimiento y el Barroco, llegó a convertirse en el máximo exponente de la escuela sevillana de imaginería.

Fuente de Datos:
El hombre que habló con Dios, Juan Martínez Montañés - Vicente Rus Herrera
Sevilla, J.R. Castillejo, 1990

Caspar David Friedrich

2010-02-22T21:22:00.000+01:00

Desde que descubrí su obra y conocí lo que hay publicado sobre du vida, una cierta empatía me ha unido a Caspar David Friedrich. Hay almas que aún viviendo en otra etapa de tiempo o dimensión se sienten identificadas. Yo creo que en cierta medida, aunque no tenga el don de la pintura, me siendo identificada con él.

"Arbol con cuervos" - Museo del Louvre . París - Francia

Caspar David Friedrich es el más notable pintor alemán. Introvertido, melancólico y depresivo, nos ha dejado unos poéticos y exquisitos paisajes, de profunda espiritualidad, donde explora el infinito, las fronteras del espacio y tiempo. En sus cuadros, realizados con una técnica minuciosa a partir de apuntes sacados del natural, suelen aparecer uno o dos personajes, generalmente de espaldas, en una naturaleza grandiosa donde reina la soledad y el vacío, frente a la que el hombre se siente empequeñecido .Son ejemplos perfectos de lo sublime “La cruz en la montaña”, “Monje frente al mar” y “Viajero frente al mar de niebla”.

Nace Friedrich el 5 de septiembre de 1774 en la ciudad de Greisfwald, en Alemania siendo el sexto de los nueve hijos de Adolf Gottlieb Friedrich, un fabricante de velas y jabones, y de Sophie Dorothea Friedrich, ambos protestantes, en cuya confesión también fue educado el joven.

Caspar David sufrió la cercanía de la muerte desde una temprana edad. Su madre, Sophiea Dorotea, murió en 1781, cuando él tenía sólo siete años. Un año después, su hermana Elisabeth también murió, mientras que una segunda hermana, María, sucumbió al en 1791. Posiblemente la mayor tragedia de su infancia fue en 1787 la muerte de su hermano menor Johann Christoffer, a la edad de trece años. Caspar David fue testigo de cómo su hermano caía a través del hielo de un lago congelado y se ahogaba. Algunas fuentes sugieren que Johann Christoffer murió mientras trataba de rescatar a Caspar David, quién habría caído anteriormente en el hielo.

"Kunstsammlungen. Weimar"

Entre 1794 y 1798 estudió en la Academia de Coppenhage, y en 1798, cuando termina sus estudios, se traslada a Dresde, ciudad que en aquellos años era el centro del Romanticismo y donde permaneció de forma ininterrumpida, salvo breves viajes y estancias en su ciudad natal, introduciéndose rápidamente en el ambiente cultural romántico, y donde desarrolló la mayor parte de su actividad artística, en un período en que, en toda Europa, una creciente desilusión con la sociedad materialista estaba dando lugar a una nueva apreciación de la espiritualidad.
Este cambio en los ideales a menudo se expresa a través de una reevaluación de la naturaleza, también por otros artistas, tratando de representarla como la creación de algo divino, y situarla en el artificio de la civilización humana.

Comenzó su educación, haciendo copias de los moldes de esculturas antiguas, antes de proceder a la elaboración de la vida. Vivir en Copenhague le ofrece el acceso a la Royal Picture Gallery’s.
Su reputación como un artista se consagró cuando ganó un premio en 1805 en la Weiamr, la competencia organizada por el escritor, poeta y dramaturgo Ghoethe
En 1807 realiza su obra “Dolmen en la nieve” que revela un sentimiento de profundo pánico ante la naturaleza.

"Dolmen en la nieve" - 1807 - Gemäldegalerie Neue Meister. Dresden (Germany)

“La Cruz sobre la montaña” la realiza en 1808, y suscitó polémicas por la audacia de confiar al paisaje la expresión de los contenidos simbólicos y religiosos.

"La Cruz en la montaña" - 1807-1808 - Gemädegalerie Neue Meister. Dresden Germany

Los primeros reconocimientos le llegarían en 1810, con obras como “Abadía en el robledal”, presentada en la exposición celebrada en la Academia de Berlín. En esta fecha se dedica también a la enseñanza y empieza una etapa de progresivo aislamiento esbozando frecuentemente monumentos conmemorativos y esculturas para mausoleos, lo que refleja su obsesión con la muerte y el más allá, incluso creó los diseños de algunas figuras de arte funerario en los cementerios de Dresden.

"La Puerta del Cementerio" - 1824-1826 - Gemäldegalerie Neue Meister. Desden. Germany.

Algunas de estas obras se perdieron en el incendio que destruyó el Palacio de Cristal de Munich’s, en 1931 y más tarde en el 1945 furante los bombardeos a la ciudad.

"Abadie en el robledal" 1809-1810 - oleo sobre tela - Charlottenburg, Berlín

En 1818 su obra “El viajero frente al mar de niebla” deja constancia de la importancia del hombre frente a la grandeza de la naturaleza, y en este mismo año, el 21 de enero, contrae matrimonio con Caroline Bommer con quien llegó a tener tres hijos.

"Viajero frente al mar de la Niebla" - 1818 - Hamburger Kunsthalle. Hamburg. Germany.

Los cuadros pintados por Friedrich durante los años posteriores a su matrimonio, cobran un nuevo sentido de ligereza, la paleta es más brillante y con mayor frecuencia aparecen en las figuras humanas, lo cual es interpretado como un reflejo de la importancia que en esta época tiene para él la vida humana, en particular la familia. Su esposa, su familia y sus amigos aparecen como temas frecuentes en su arte.

En 1824, Friedrich aspira a la cátedra de Pintura Paisajística de la Academia de Dresden. Sin embargo, no consigue el cargo, posiblemente por motivos políticos. Le nombran, en cambio, profesor supernumerario o extraordinario. A partir de 1824 decae el interés por las obras de Friedrich. Entre 1826 y 1828, el pintor entra en una depresión que le impide pintar, y se dedica solamente a realizar dibujos; todo esto crea una serie de problemas económicos en la familia, sumergiéndolo aún más en la depresión.

"Peregrinación al amanecer" - 1805 - Lápiz en sepia - Staatliche Kunstsammlungen. Weimar.

En junio de 1835, la vida le asesta un fuerte golpe cuando sufre un fuerte ataque de apoplejía que le causó una moderada parálisis en los miembros, reduciéndose así en gran medida su capacidad para la pintura. No podía trabajar en el petróleo, por lo que su trabajo se limitaba a la acuarela, sepia y reelaboración de composiciones.

"Salida de la luna sobre el mar"

A pesar de que había perdido casi toda la fuerza de la mano, realizó entre 1835 y 1836 un cuadro oscuro “Costa luz de la luna”, la pintura más negra de todas las costas que realizó, en la que la riqueza de tonalidad compensa la falta de delicadeza de la obra. En otros de sus trabajos de este periodo los símbolos de muerte aparecían con frecuencia, algunos como sepulturas y tumbas, y otros, en menos cuantía, las ruinas y las lechuzas.

"Naufragio a la luz de la luna" - 1825-1830 - Nationalgalerie - Berlin, Alemania

En 1838 tan solo era capaz de trabajar en un formato pequeño. El y su familia vivían en la pobreza, dependientes de la caridad y la ayuda de amigos.

Caspar David Friedrich muere, el 7 de mayo de 1840 en Dresde, en la más absoluta pobreza y en un estado de gran melancolía. Es enterrado en el cementerio de la Trinidad.

El arte de Friedrich se sometió a muy pocos cambios a lo largo de su evolución, centrándose los temas de su pintura en las diversas etapas de su carrera artística y en los lugares donde vivió.
Los Paisajes fueron su tema preferido, inspirado por los viajes frecuentes, a partir de 1801. Los temas principales fueron la Costa del mar Báltico,

"Por la noche en el mar Báltico" - 1826

el puerto de Greifswal, las ruinas del monasterio gótico de Eldena,

"Ruinas de Eldena" 1825. Óleo sobre lienzo.National Gallery. Berlín. Alemania

Dresden y sus alrededores, las montañas del Harz, Bohemia, los acantilados de Isla de Rüguen, y el río Elba, basándose sobre todo en los paisajes del norte de Alemania.

"Acantilado de tiza en Rugen"

Sus pinturas representan los bosques, colinas, campos arados, bancos de nubes al atardecer en un cielo iluminado por el resplandor del sol poniente o el crepúsculo en montañas, puertos, nieblas de la mañana y otros efectos de luz basados en una estrecha observación de la naturaleza.
Estas obras fueron el modelo de bocetos y estudios de los lugares pintorescos, realizándolos casi exclusivamente a lápiz.
La suya es una pintura que puede considerarse como la de una naturaleza espiritualizada, típica del Romanticismo.

"Paisaje invernal con iglesia" - 1811 - Museum für Kunst und Kulturgeschichte. Dortmund. Germany

En los cuadros de Friedrich, las pequeñas dimensiones de las figuras en el paisaje adquieren, por primera vez, un significado mayor que en épocas precedentes. Mucha de estas representaciones, captan la figura vista desde atrás, contemplando quizás un paisaje iluminado por el resplandor de la luna o en una ventana, y son referentes de la expresión del anhelo romántico de abarcar el universo.
Prefirió el paisaje en determinadas horas del día, en la mañana o en la tarde, momento más propicio para establecer correlaciones psicológicas más directas en las que situar estas pequeñas figuras humanas.

"Pareja mirando la Luna" Nationalgalerie. Berlín. Alemania. 1824

Una cierta tendencia ascética puede observarse en “Monje Capuchino a orillas del Mar”
Con el lienzo “Abadía en el robledal” (1809-1810) ofreció un número mayor de composiciones narrativos y paisajísticos. Así, a través de la niebla de color sepia, contra la negra silueta de los árboles deshojados y las ruinas de una abadía gótica, puede intuirse una procesión de monjes que avanzan a través de un cementerio cubierto por la nieve, transportando un ataúd hacia la entrada de la nave sin tejado.

"Cementerio"

A pesar de tratarse de un artista que no creó jamás una verdadera escuela, resulta interesante el trabajo de los pintores que actuaron a su alrededor, como por ejemplo Carl Gusta Carus, August Heinrich, Johan Chrisrian Dahl o Georg Friedrich Kersting.

Fuente de Datos:
*Capar Davifd Friedrich 1774-1840: El Pintor de la Calma - Wolf Norbert
*Imágenes Ciudad de la pintura

Gustavo Bacarisas y Podesta

2010-01-29T19:14:00.000+01:00

(Paisaje)

Gustavo Bacarisas, importante pintor cosmopolita especializado en el paisaje andaluz y castellano, cultivó la pintura de género, el retrato, y los bodegones entre otros.
Su estilo personal hizo que destacara en la pintura sevillana de principios del siglo XX.

("Galanteo en el barrio de La Judería)

En sus lienzos abundan los ambientes nocturnos, así como transmite en ellos el ambiente y gracia del entorno de la mujer andaluza.

("Sevilla en fiestas" - 1815)

Reconocido mundialmente por su pintura, de estilo figurativo y de riquísimo cromatismo, Gustavo Bacarisas expuso en multitud de países. Realizó también decorados de ópera en Suecia y España, y fue galardonado con importantes premios de pintura, como la cátedra honoraria de la Academia de Santa Isabel, en Hungría.
A pesar del contencioso por la soberanía de Gibraltar, la obra de Bacarisas fue especialmente reconocida en España, donde el pintor fue incluso admitido en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, la más importante institución artística española. Su pintura dejó huella en todos los jóvenes valores de la pintura que se formaron en la Sevilla de los años veinte.

("Muchacha con abanico")

Nació en Gibraltar el 23 de septiembre de 1873 y allí inicia sus primeros recorridos por el arte, trasladándose a Sevilla en 1913, ciudad en la que fijará su residencia y realiza estudios en la Escuela de Bellas Artes Sevillana.

("Noche Sevillana")

A los 17 años realiza el retrato de su hermano Francisco, mostrando sus excelentes cualidades artísticas, por lo que el Gobierno le concede una beca, a los 19, años para que amplíe sus estudios en Roma, donde adquiere una sólida preparación.
En 1905 concurre a la Exposición Internacional de Venecia, ciudad en la que pinta vistas urbanas y paisajes de La Laguna, que al igual que ocurre con las pintadas en Roma, son ya de tono impresionista. Ese mismo año se instala en París, entrando en contacto con las tendencias artísticas francesas que tanto habrían de influir en su paleta.

Al año siguiente, 1n 1906 se traslada a Londres, donde en 1906 realiza en la Royal Academy de Londres su primera exposición importante, momento en que su obra comienza a ser conocida en Europa.
En 1910 viaja a Argentina, estableciéndose en Buenos Aires con la decidida intención de encontrar un futuro profesional e insertarse en el pujante mercado sudamericano.
En 1914 vuelve a Sevilla ante la inseguridad internacional ocasionada por la Guerra Mundial. La neutralidad española hace que se produzca un despegue económico que se notará en la vida artística y cultural. Sevilla comenzará a partir de estos años a organizar los preparativos para la futura Exposición Iberoamericana de 1929.
En 1916 participa en la Exposición de Bellas Artes de Sevilla, siguiendo las actividades del Centro Artístico del Ateneo Sevillano, del que será nombrado presidente.
En 1920 expone en la Exposición sevillana de la Sección Artística del Ateneo.

("Patio del Rey Don Pedro del Alcázar de Sevilla")

En 1921 realiza una importante y completa exposición en la sala del Museo de Arte Moderno de Madrid, donde expuso retratos de andaluzas con nombres sonoros; “La joven del abanico”, “La del pañuelo estampado”, “Nati la bilbainita”, “Conchita”, “Joaquina”, “Gitanilla”, “Pastorcita”, “Angustias”, “Encarnación”, “Rocío”, “ Mariposa”, “La damita blanca”, “Por Alegrías”, “La Cantaora”, “Vendedora de frutas”, “La Soleá”, así como la composición de gran formato “Sevilla en fiestas”, o paisajes de granada como “Brisa en el agua”, “Las palmeras de oro”, “La fuente de malaquita”, o los titulados “Tarde dorada”, “Nubes en la ermita” y “Noche Sevillana”.

("El estanque de Mercurio del Alcázar")

También mostró “En una caseta de feria” y algunos bodegones de entonaciones cromáticas, como “El vaso de ópalo”, “El cacharro amarillo, rojo y azul”. Un sólido conjunto complementado con piezas de cerámica y esculturas de bronce, como “Tanagra andaluza” y “Cabeza de joven gitana”, que en su momento fue ensalzado en un artículo del crítico José Francés, publicado en la esfera.

En 1922 presentó en Sevilla algunos cuadros granadinos:”La Torre de la Vela” “Jardines de la Alhambra” “Reflejo” y “La fuente de los leones”, participación que repetirá al año siguiente con tres paisajes granadinos.

("La Feria")

En 1923 realiza una gira artística por los países del norte de Europa, llegando a dirigir en Estocolmo la escenografía de la ópera “Carmen”, así como los figurines, de estudiada ambientación andaluza.
Tras “Carmen” realizará “Copelia” y “El Amor Brujo”.
En Sevilla realiza los paneles cerámicos del Pabellón Real de la Plaza de América y los murales del Pabellón de Argentina, ambos de la Exposición de 1929.

("Viva la República"-1931)

La guerra civil española le sorprende en Madrid, siendo evacuado primero a Francia y después a la isla portuguesa de Madeira. Durante su estancia en la isla plasmará con sus pinceles los encantos de aquellas tierras.
En 1937 vuelve a Gibraltar, regresando de nuevo a Sevilla en 1945 y se dedica a pintar los pueblos blancos andaluces: (Carmona, Aracena, Estepona, Arcos de la Frontera…)

("Aracena")

Fallece en Sevilla, rodeado de su esposa Elsa y de amigos el día 6 de Enero de 1971.
El Museo de Gibraltar expone de forma permanente una parte de su obra.

Fuente de Datos:

*Gustavo Bacarisas” – Manuel Castro Luna – Diputación Provincial de Sevilla /Servicio de Publicaciones.

La Pintura Del Romanticismo

2010-01-14T19:14:00.000+01:00

("Paisaje con Acueducto (noche)" - Theodore Gericault - 1818 - Museo Metropolitano de Arte de Nueva York)

El término Romanticismo se refiere a la profunda fascinación que ejercieron, desde 1770 en adelante, la literatura y la historia no clásicas. También se define como un estado de sentimientos que describe una situación de inquietud emocional que parece hacerse más intensa con el paso del tiempo para alcanzar su punto álgido en la década de 1820.
Ningún otro movimiento del arte europeo parece tan difícil de definir como el Romanticismo, ambiguo en sus inicios, contradictorio en sus manifestaciones artísticas, e impreciso en sus inicios. Algunas de las premisas básicas que le dieron unidad fueron su inspiración en la naturaleza, su conciencia del pasado, su sentir religioso y su ideal del artista, de esta forma, el Romanticismo escribió un gran capítulo en la cultura de Europa.

("La catedral de Salisbury y vista de cerca" - Jhon constable - 1831- Oleo sobre tela - Colección particular)

En líneas generales, cuando se menciona el término Romanticismo se piensa en una época que se sitúa entre finales del siglo XVIII y la primera mitad del siglo XIX. El Romanticismo profundizó sus raíces y se alimentó de la cultura iluminalista del siglo XVIII, madurando con él algunos comportamientos contemporáneos de las diferentes naciones de Europa, y supuso la ruptura con una con una tradición anterior y con una jerarquía de valores culturales y sociales. Fue un movimiento de protesta apasionada y contradictoria contra el mundo capitalista burgués y el mundo de las ilusiones perdidas.
En el periodo del Romanticismo imperó la propagación de los sentimientos por encima de cualquier otra circunstancia, proclamando la libertad del artista a fin de que pudiese expresar sus emociones sin limitación alguna.

("Jean-Baptiste Isabey y su hija"- Francosis Gerard -1795. Lienzo.)

Aunque el Romanticismo carece de unidad y de uniformidad, existen el suficiente número de coincidencia entre diferentes autores y manifestaciones que permiten hacer referencia, si no a un grupo, al menos a un movimiento que presenta una coherencia y unos ideales comunes.
Su unanimidad reside en una manera de sentir y de concebir al hombre, la naturaleza y la vida, aunque si se piensa en la existencia de varios movimientos románticos, no hay dos que sean iguales.
Sin embargo, pese a las diferencias que presentó en cada uno de los países, el Romanticismo tenía algunos rasgos comunes: sensación de incomodidad espiritual en un mundo con el que el artista no podía identificarse; inestabilidad y aislamiento, de donde surgió el anhelo de una nueva unidad social; preocupación por el pueblo y sus canciones y leyendas, y proclamación de la absoluta singularidad del individuo.

("Paisaje del Luxembourg"-Jacques- Louis David -1794 Museo Lovre- París Francia)

La influencia del romanticismo fue tan profunda y generalizada que no es posible abarcarla por completo de un solo trazo. En cierta maneta, puede considerarse que de él provino todo el arte occidental posterior. Las ideas románticas acerca de la creatividad artística, la originalidad, la individualidad, la autenticidad y la integridad dominaron durante largo tiempo la estética imperante de otras propuestas artísticas.

Desde sus inicios, el siglo XIX fue una época difícil, un periodo que nació con el legado del importante siglo artístico que caracterizó toda la plástica del siglo XVIII, un momento en el que ciertas tendencias heredadas del Neoclasicismo se dio paso a un desenfrenado Romanticismo . Sin embargo, los orígenes y las fronteras de este último, son menos precisos que los del primero, con quien compartió una gran internacionalidad pero con una visión de las cosas y del mundo más sujetica y menos racional. Desde los artistas todavía académicos, como Jacques o Sean Auguste Dominique Ingres, o los plenamente románticos, como Théodore Géricault o Eugène Delacroix, se proyectó el Romanticismo hasta el inicio del Realismo.

("Le Torrent "- obra de Anne Louis Giroder De Roussy-Trioson )

El Romanticismo tuvo una posterior evolución a principios del siglo XIX que desembocó en varias ramas compuestas por jóvenes pintores en diversos puntos de Europa:
Nazarenos en Alemania
Prerafaelistas en Gran Bretaña
Realistas en Francia
Más avanzado el siglo, nacieron los Simbolistas, que considerarían a los románticos como precursores suyos.

Al margen de los argumentos tratados por sus artistas, la sensibilidad románica también tuvo su expresión en la pintura de paisajes, con Joseph Mallord, William Turner, John Constable y Caspar David Friedrich a la cabeza, quienes ejercieron una gran influencia en otras corrientes y movimientos importantes, como la denominada Escuela de Barbizón, cuyos integrantes fueron considerados como los precursores del Impresionismo Francés.

(" Boda real en marruecos" 1837-1838. Ferdinand-Victor-Eugene Delacroix - Óelo sobre lienzo. Museo del Louvre-París -Francia)

La influencia del romanticismo fue tan profunda y generalizada que no es posible abarcarla por completo de un solo trazo. En cierta maneta, puede considerarse que de él provino todo el arte occidental posterior. Las ideas románticas acerca de la creatividad artística, la originalidad, la individualidad, la autenticidad y la integridad dominaron durante largo tiempo la estética imperante de otras propuestas artísticas.

Principales características de la pintura Romanticista:

• Afición por los contrastes lumínicos llenos de dramatismo.
• Concepto subjetivo de la belleza, fruto de los sentimientos del pintor, generalmente pesimista y melancólico, que les lleva a preferir una temática imaginativa y pasional, obsesionados por el amor, el dolor, la muerte y su prefiguración -la noche- .
• Gusto por las composiciones movidas y desequilibradas.
• El retrato es el género preferido por la clientela burguesa para decorar sus casas; conceden gran valor a la indumentaria, como expresión de su condición social y al estudio psicológico del retratado.
• Gran atracción por la pintura de Historia. Decaen los temas de la Antigüedad clásica y cobran actualidad los de la Edad Media debido al interés por el pasado histórico.

("La feliz madre " Pierre-Paul Prud'hon - Lienzo. Colección Wallace londres)

El paisaje adquiere gran desarrollo, evocador de un estado espiritual. Tienen preferencia por los nocturnos, los cementerios, las ruinas, el mar. En general, por paisajes en sombras, silenciosos, vacíos, donde flota la maldad o la tristeza.
Hay una recuperación de la temática religiosa, como en el Barroco. Algunos pintores viven incluso una experiencia religiosa de comunidad, como los Nazarenos alemanes y los Prerrafaelistas.
Se utilizan las técnicas, además del óleo sobre lienzo, las más rápidas y de menor tamaño como la acuarela y el grabado.

*Fuente de datos: Romanticismo, Los grandes maestros, Las principales escuelas (Manuales Parramón)
*Educaret – Fundación telefónica.

La Escuela De Alcalá de Guadaira

2009-11-30T12:46:00.002+01:00

("El Castillo de Alcalá de Guadaira" - David Robert - 1833 - Oleo sobre tabla - Museo del Prado-Madrid)

El continuo interés por los valores de la naturaleza ha mantenido a lo largo del tiempo, la consideración histórica del paisaje en las diferentes culturas y civilizaciones, pero su como un verdadero hecho cultural es algo de muy reciente cuño. Históricamente se han ido desarrollando actitudes y puntos de vistan, tanto individuales como colectivos, que han puesto en práctica ciertos valores artísticos que, a su vez, han propiciado la aparición del paisajismo tal y como hoy en día podemos concebirlo genéricamente. En ese complejo proceso, lleno de influencias e interdependencias, han incidido decisivamente las circunstancias y mentalidades de cada momento histórico.

("Remando en el Río" - 1885 - Emilio Sánchez Perrier)

La mirada artística, que ha estado siempre atenta a la naturaleza, es la que ha ido, de manera específica, definiendo y conformando conceptos que se han situado siempre más allá de la consideración del estricto marco funcional y geográfico, trascendiendo e imponiéndose hasta ser asumida colectivamente, como una capacidad sensitiva de análisis y observación más allá de la mera escenografía funcional de los individuos que habitan el paisaje y en el que se integran formando parte indiscutible de él.
Este tipo de mirada ha constituido un factor decisivo en la gestación de la pintura de paisajes, a partir surge una nueva categoría: la del paisajismo.

("Pinares al atardecer" - 1909 - José Rico Cejudo-Oleo sobre lienzo-Colección Antonio Plata-Sevilla)

Desde el punto de vista creativo, la consideración artística del paisaje manifiesta claramente la relación del mismo con los individuos, la sociedad y la naturaleza, siendo cada pintura por tanto, en ese sentido,un documento significativo e incuestionable de esa relación.

En el siglo XIX se organiza, como resultado de esa mirada artística, la práctica del paisaje como una globalidad específica en la práctica de la pintura, al igual que ya ocurriera con otros géneros, como el bodegón o el retrato.

("Hueta con Limones en Alcalá" 1895-José Jiménez Aranda -Oleo sobre tela-Colección El Monte-Sevilla)

Sin embargo por diversas razones, las publicaciones dedicadas al paisajismo no suelen ser muy frecuentes, sobre todo cuando se refieren a aspectos concretos, ceñidos a marcos territoriales o culturales, como sería el caso pictórico de la Escuela de Alcalá de Guadaira. De hecho ha sido una temática siempre ausente y escasamente tratada en los balances dedicados al arte andaluz.

("Huerta Rivereña con álamos"-Manuel García Rodríguez-1900-Oleo sobre lienzo-Col. Remedios Delgado-Sevilla)

Esta escuela, ha sido la mayoría de las veces evitada o mirada de soslayo, tal vez, aún a pesar de tener una importancia notable, por ser escasamente conocida tanto por l gran público como por la mayoría de los investigadores.
La Escuela de Alcalá de Guadaira ha permanecido inédita, víctima por tanto de un injustificable olvido.
Poco o nada se ha hecho por resaltar la serie de fecundos episodios que allí tuvieron lugar desde fechas muy tempranas, tanto la capacidad evocadora y placentera del lugar, como la sorprendente variedad pintoresca de sus riveras y parajes.
La pintura de la Escuela de Alcalá de Guadaira, es comparativa a otras manifestaciones del paisajismo nacional, como el madrileño, catalán, valenciano o cántabro.
A todo esto se une que en pleno siglo XIX, el paisaje fue el género más independiente y progresista, que coexistía con oros géneros menos conservadores pero también más propicios al desarrollo y lucimiento de la carrera oficial del pintor.

("Molino de Alcalá"-Gonzalo Bilbao-1885-Acuarela sobre papel-Museo Bellas Artes Sevilla)

Fue en el cultivo de la pintura del paisaje donde se produjeron las aportaciones más novedosas y audaces de la época, dejando constancia de una mirada nueva sobre la naturaleza, con el consiguiente descubrimiento de nuevos caminos, siempre vistos desde posiciones creativas menos convencionales y rígidas, haciendo del cultivo del paisaje un instrumento de modernización. Y así, tato en la pintura sevillana como en la española en general, la pintura de historia convivió durante décadas con la pintura de paisajes, que andando el tiempo superaría el academicismo y comportamientos artísticos ya agotados.
En este sentido, los pintores presentes en Alcalá, integrantes del contexto de los pintores sevillanos, tuvieron lógicamente un comportamiento secundario o periférico con respecto a los centros emisores de novedades artísticas, pero en cambio, constituyeron un nutrido grupo de artistas interesantes, prefigurado por unas características y preocupaciones artísticas comunes, más que por una decidida intención consciente de formar una definida escuela pictórica, como una forma bien especializada, bien temporal, de cultivar el paisaje.

("Pinares en Alcalá de Guadaira"-José Jiménez Aranda-1895-Oleo sobre lienzo-Col.El Monte-Sevilla)

Dentro del paisajismo en el marco andaluz y sevillano, y de lo que supuso en el desarrollo de nuevas concepciones plásticas, figuran artistas que sobresalen por la atención y curiosidad hacia la naturaleza pintoresca y el análisis de sus respectivas producciones pictóricas como testimonio de las diversas personalidades y puntos de vista que confluyeron en Alcalá y sus inmediaciones, mereciendo especial atención los que participaron en lo que con posterioridad vino a denominarse como Escuela de Alcalá de Guadaira.

(Los pintores José Arpa y José Rico Cejudo en una excursión campestre en Diciembre de 1887)

Es valorar la importancia del fenómeno del paisajismo en Alcalá de Guadaira, sus efectos y consecuencias artísticas y culturales, que incorporaron de este modo nuevos episodios de mucho valor, alguno de ellos fundamentales e inéditos, dejando un mejor conocimiento para el desarrollo de la pintura sevillana.

A esta escuela pertenecieron pintores locales, sino también otros de Sevilla y de distintas partes de la geografía española y extranjera, algunos de gran talla, como José Arpa Perea, Valeriano y Joaquín Dominguez Bécquer, José Jiménez Aranda, Alfonso Grosso Sánchez, José Rico Cejudo o Gonzalo Bilbao, entre otros.

Blanca De Los Ríos

2009-11-18T12:29:00.001+01:00

“¡El tiempo esa distancia de la vida
Que es la misma existencia que se va!...
La distancia, ese tiempo del espacio...
¡Terrible dualidad!”

“Blanca de los Ríos encarna ese aliento de poeta civil que Bécquer no quiso encarnar.” (Francisco Arias Solís).

Blanca de los Ríos, según Francisco Arias Solís, no ha pasado a la historia literaria ni por “Melita Palma” ni por “La Rondeña”, ni por su poema escrito desde Florencia cuando exclamaba “rompo el silencio y duéleme la ausencia”. A Blanca de los Ríos hay que acudir cuando se trata de explicar el teatro de Tirso de Molina, porque “las mujeres de Tirso, vestidas de hombre, son heroínas de Fray Gabriel Téllez y creaciones, que fueron desenmascaradas, casi diríamos desnudadas por la poetisa Blanca de los Ríos, a las que volvió a dar vida.

Fue, en abril de 1928 cuando pronuncia una conferencia en Madrid, en la Real Academia de Jurisprudencia y Legislación, publicada aquel mismo año, sobre “El enigma biográfico de Tirso de Molina”, aireando su partida de bautismo y otros documentos que la llevan a demostrar cómo su teatro nació en el claustro arrancado de estas revelaciones la crítica histórica y la estética de ese nuevo Fray Gabriel Téllez que irrumpe a partir de esos años, los manuales de literatura en las nuevas luces que proyecta la erudita sevillana a la que Real Academia Española no ofreció un sillón pero si un Premio para su “Estudio biográfico y crítico de Tirso de Molina”.(Francisco Arias Solís).

"Blanca de los Ríos Nostench"

Hija de arquitecto, y de poetisa y pintora, nieta de médicos, sobrina de escritores y políticos, y amiga íntima de artistas y literatos, vivió rodeada de un ambiente rico en cultura e intelectualidad, que hizo de ella una de las mujeres más eruditas de su tiempo sobresaliendo en todas las artes que trabajó, especialmente en el mundo Literario (Periodo Romanticismo), que le tocó vivir.

Blanca de los Ríos Nostench nace el día 15 de Agosto de 1862 (otros datos apuntan a 1859), en la calle Francos de Sevilla, hija del arquitecto Demetrio de los Ríos, autor de los proyectos de las fachadas monumentales del ayuntamiento sevillano y restaurador de la Catedral de León, y de María Teresa Nostench y Rodríquez de Henestrosa, mujer que poseía extraordinarios dotes para la pintura y la poesía, y que tuvo marcada influencia en la dedicación de Blanca a la labor literaria.
Fue bautizada el mismo día de su nacimiento en la iglesia del Sagrario de Sevilla, mientras por las calles de la ciudad procesionaba la Virgen de los Reyes.

A los pocos años de nacer, sus padres se trasladaron a Granada, ciudad donde realizó sus primeros estudios y en dónde comenzó a dar muestras de su inclinación hacia la literatura. Sus compañeras del colegio la llamaban cariñosamente “La Escritora”.
Desde muy pequeña comenzó a escribir poesías, y con quince años publica su primer libro, “Margarita”, que firmó con el seudónimo de “Carolina Del Boss”.

En 1877 muere su madre, y Blanca marcha a París para vivir con una tía suya. Estaría en París dos años, regresando a España en 1879, instalándose para vivir con la familia Romera en Madrid, en la casa que unos hermanos del inolvidable actor de este apellido habitaban en la calle Cedaceros.
En esta fecha publicó un librito de versos titulado “Esperanzas y Recuerdos”, que escribió cuando tenía quince años, y que le conquistó la estimación de algunos círculos literarios de la capital española.
En estos círculos literarios hizo amistad con Sofía Casanova, la condesa de Pardo Bazán, el marqués de Valmar, don Juan Valeta, Rubén Darío y Santos Chocano.
Es de estos años también el comienzo de una de las amistades más importantes, tanto afectiva como culturalmente, de toda su vida: la de Emilia Pardo Bazán.

"Realidad, terrible azote

del alma que mundos crea

con ese eterno don Quijote

que sueña su Dulcinea.

Soñar? ¡donosa locura!,

soñar que un ángel se encierra

en la pobre vestidura

que ha de podrirse en la tierra."

(Realidad, Terrible Azote)

También conoce en esta fecha a Vicente Lampérez, un arquitecto emparentado con actores famosos y políticos, primo de los Romea, con el que contrajo matrimonio. El matrimonio viaja pronto a Italia y Blanca se entrega con entusiasmo a la carrera de las letras, escribiendo sin pausa, novelas, cuentos, libros de poesía y estudios de crítica literaria y ensayos históricos.
En 1889 la Real Academia Española premió su “Estudio Biográfico y crítico de Tirso de Molina”, en el que dio a conocer datos nuevos sobre la vida del gran dramaturgo.
Su fama de escritora se desbordó bien pronto del ámbito nacional para encontrar amplio eco en otros países. En los primeros años del siglo XX habían sido ya traducidas a varios idiomas una veintena de sus obras.

En 1895 entra como socia de número del Ateneo de Madrid, junto con Emilia Pardo Bazán y Carmen Burgos, lo cual le permite entrar en contacto con las ideas más diferentes y más avanzadas de la época, tanto en el campo artístico como en el de divulgación, llevando adelante tanto su labor de erudición como la de ficción, y al mismo tiempo empieza a tomar partido en «el problema de España», defendiendo el camino de la tradición para avanzar hacia los cambios causados por los nuevos tiempos.

Simultaneó su copiosa producción literaria con la colaboración en los principales periódicos y revistas de España e Hispanoamérica. Esta labor culminó en la fundación de la revista “Raza Española”, que vio la luz en el año 1919 y a través de la cual realizó una fecunda tarea de acercamiento entre España y las naciones iberoamericanas. Blanca gastó su dinero para sostener aquella publicación durante los once años en que fue editada.
En ésta como en otras publicaciones divulgó sus ideas feministas, la preocupación por la mujer y por las relaciones entre España e Hispanoamérica estuvieron siempre presentes en su reflexión y en su participación en diversas asociaciones y actos como: la Asamblea Americanista de Barcelona y los Centros de Cultura Hispanoamericana de Cádiz y de Madrid, la Junta Superior de Beneficencia de Madrid y la Unión de Damas Españolas, en la que se preocupó por el avance en medidas de protección para las mujeres en el trabajo.

“…Desde siempre en mi calle yo te espero,

y amante de mis noches te persigo,

si alguna vez, dolida, te maldigo,

desde tu ausencia, triste, desespero.”

(Destino)

Como reconocimiento a su valiosa labor, el Ayuntamiento de Sevilla la nombró hija predilecta de la capital en 1916, y dio su nombre a una de las calles más céntricas de la ciudad Andaluza.
El 19 de Enero de 1923 fallece su marido Vicente Lampérez quedando Blanca desconsolada, pero continuando con su prolífera carrera literaria.
En Marzo de 1924 le fue concedida la Gran de Cruz de Alfonso XII y, con tal motivo, se le rindió un homenaje en la Real Academia de Jurisprudencia y Legislación de Madrid, acto que presidió su Majestad la Reina Victoria Eugenia.
En 1931 le fue concedida la Medalla de Oro al Trabajo, y en 1949 la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio.
Muchas academias e instituciones artísticas y culturales nacionales y extranjeras la llevaron a su seno.
El Gobierno Colombiano le concedió la Gran Cruz de Bocaya por sus trabajos en defensa del escritor colombiano Francisco José de Caldas, discípulo y colaborador directo del célebre hombre de ciencia español Celestino Mutis, cuya memoria reivindicó Blanca, consiguiendo que el gobierno español le dedicara una lápida en la Biblioteca Nacional.

Blanca de los Ríos fue presentada a candidatura a la Real Academia Española de la Lengua, por los académicos Serafín y Joaquín Alvarez Quintero, el doctor Cortezo, el conde de Navas y don Manuel Linares Rivas, sin que consiguieran su propósito, ya que la docta Corporación mantuvo el criterio tradicional de no admitir en el seno a miembros femeninos.
Igualmente fue propuesta por un amplio grupo de intelectuales españoles, al frente del cual se encontraba el marqués de Santo Floro, para que le fuera concedido el Premio Nobel de Literatura, en atención a su obra dilatada y compleja.

El día 13 de Abril de 1956 a las once y veinte de la noche, fallece en su domicilios de Madrid, en la calle Jorge Juan nº 7, conservando hasta el último momento su actividad intelectiva.

Blanca de los Ríos destacó como estudiosa de los grandes escritores del siglo de oro, como narradora, poeta y conferenciante, y también por su preocupación por la mujer, y su mejora en la sociedad de la época.
Igualmente fue ferviente su lucha y actividad en la consolidación de las relaciones españolas e iberoaméricanas.

Obras
Verso
Los funerales del César (1880)
Esperanzas y recuerdos (1881) y (1912)
El romancero de Don Jaime El Conquistador (1886)
Visiones de arte
De sol a sol
De Andalucía
¿Vida o sueño? Rimas (1941)
Prosa
Margarita (1978)
Los funerales del César (1880)
Esperanzas y recuerdos (1881) y (1912)
El romancero de Don Jaime El Conquistador (1886)
La novia del marinero (1886)
Melita palma (1901)
Sangre española (1902)
La niña Sanabria (1907)
Las hijas de don Juan, Madrid goyesco (1902)
Los diablos azules (1902)
La Rondeña (cuentos Andaluces) (1902)
El Salvador (cuentos varios) (1902)
El tesoro de Sorbas (1914)
Estudios literarios
Del siglo de Oro (1910)
De Calderón y de su obra
La vida es sueño y los diez Segismundos de Calderón,
Sevilla, cuna del Quijote
Los grandes mitos de la Edad Moderna: Don Quijote, Don Juan, Segismundo, Hamlet, y Fausto
De la mística y de la novela contemporánea
Afirmación de la raza ante el centenario de la independencia de las repúblicas hispanoamericanas (1910)
Afirmación de la raza. Porvenir hispanoamericano
Estudios literarios
Fray Grabriel Téllez
Obras dramáticas completas

Fuentes de Datos:
*Escritoras y pensadoras europeas – María Jesús Soler Arteaga
*Blanca de los Ríos – Francisco Arias Solis
*Hemeroteca ABC

Amalia La Gitana

2009-10-31T21:50:00.000+01:00

"Mal de Amores"

No cabe duda de que muchas fueron las mujeres que posaron para Julio Romero de Torres. Indiscutiblemente una de sus preferidas fue Teresa López, La Chiquita Piconera, pero también lo fue otra mujer de raza y temperamento: Amalia La Gitana

El día 11 de Enero de 1888, nace en el barrio de la Catedral, en Córdoba, Amalia Fernández Heredia, fruto del humilde matrimonia formado por Julio Fernández y Carlota Heredia.
Sus padres quisieron bautizarla en la parroquia del Sagrario y por nombre le pusieron Amalia.
Amalia sería, pasados los años, una de las musas preferidas del pintor cordobés Julio Romero de Torres.

Desgraciadamente Amalia quedó huérfana de padre siendo aún una niña (8 años), y tuvo que buscarse la vida por sí misma.
Viviendo humildemente dentro de un feudo gitano, en un mísero cuarto de una casa de vecinos de la plaza de Alhóndiga, dedicaba el día a recoger cartones de casa en casa, y las noches a animar cabarés y saraos formando parte de un grupo flamenco.
Tenía diecinueve años y una cautivadora belleza gitana, cuando Julio Romero de Torres la encontró cerca del Mercantil, e inmediatamente quedó prendado de ella.

Se cuenta que estando el pintor sentado entado en la terraza del Casino de Labradores, en el Paseo del Gran Capitán, esquina con la calle Gondomar, oyó a un rico terrateniente comentar a su criado ante el pasar una joven: A esa morena, trótamela. Inmediatamente Julio se levantó y abordó a la joven antes que el criado, y le dijo: Yo soy Julio Romero y me gustaría pintarla a usted. De este modo llegó Amalia a su vida.
Le pagaba diez reales por posar para él, una cantidad importante para la pobre vida que llevaba aquella gitana. Su vida se cambió considerablemente, y la ilusión comenzó a ser moneda de cambio entre el pintor y la modelo.

La representó en cerca de veinte cuadros como figura central y luego como secundaria, cuando ya el paso del tiempo había hecho mella en ella.

Amalia la Gitana fue pintada con incomparable lozanía en Las Niñas de la Ribera, donde la sonrisa de Amalia se hace la protagonista del cuadro, y sorprendente además, pues el pintor habitualmente rodeaba a la mujer de esa enigmática atmósfera de silencios.

Con esa misma sonrisa la retrataría en un lienzo de pequeño formato con el pecho al desnudo y una manzana.
Brilla con luz propia en La Consagración de la Copla, en donde sobresale como eje central de la escena simbolizando a la copla, de entre los brocados toreros, el oro de las casullas y los fondos ocres de Córdoba.

La Consagración de la Copla

En el lienzo Alegrías se muestra a una Amalia más curtida y tal vez atormentada más por el dolor que por el paso del tiempo. La Gitana palmea y con sus palmas parece esfumarse la inocencia y frescura de los retratos anteriores.
En 1912, y siempre aprovechando sus rasgos dramáticos, el pintor realiza para la portada de un libro de Machaco, Cante Hondo, el lienzo Malagueñas.

Malagueñas

También la inmortalizó en su obra La saeta que fue la estrella de la exposición que Romero de Torres realizó en Bilbao en 1918 en los salones del Majestic-Hall.

La Saeta

Cuando ya el tiempo va haciendo mella en la modelo, crea el lienzo Marta y María, que se exhibió con gran éxito en la Exposición de Pintura Española de 1919, en Londres.

Sus agitanados ojos negros eran la viva expresión del tormento cuando Julio Romero de Torres la pinto en su obra Celos, que llegó a ser la obra cumbre de la exposición en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires. Corría el año 1922 y Amalia ya había pasado las lindes de los treinta años.

Celos

No renunció el artista a retratar a su musa cuando su cuerpo se fue deteriorando. Entonces redujo su campo de expresión sólo a su rostro en obras como Judit, y las dos versiones que se conocen de Salomé y Cabeza de santa, donde las respectivas cabezas cortadas que aparecen corresponden a los peculiares rasgos de Amalia.

El día 10 de mayo de 1930, fallece el pintor y Amalia vuelve a su mísera vida de antes, en el mísero cuartucho de la calle Alhóndiga.

Sus ojos azabaches se cerraron un día de 1976, cuando contaba ochenta y siete años tras cuarenta y seis de pobreza y seria, después de la muerte del pintor.

Bibliografía:
*M.Valderde Candil: Las mujeres de Julio Romero, Colección Córdoba, Diario Córdoba-Cajasur

David Roberts, Pintor Viajero (II)

2009-08-17T13:42:00.001+02:00

"Asedio a Jerusalén"

"Retrato de David Roberts con atuendo típico"

A través de su obra "Bocetos Pintoresco en España", David Roberts entra en contacto con el litógrafo belga Louis Haghe.
Su obra inspira a David, y programa su próximo viaje a Egipto, Nubia, Tierra Santa, Siria, y en otras zonas de Oriente Medio.

Su proyecto era pintar y esbozar los antiguos y monumentales lugares bíblicos con todo detalle, por lo que estudia y se informa sobre los países y sus gentes, sus culturas y sus tradiciones.

Entre 1833 y 1838, vendió sus pinturas al óleo, acuarelas, que junto con las comisiones devengadas por la ilustración de libros, le proporcionaron la cantidad suficiente para sufragar los gastos de la expedición.

David fue el primer artista Inglés enseñar los magníficos monumentos de Egipto.
Este viaje lo realizó entre 1938-1839.

Los resultados del mismo hacen de é un artista famoso y admirado, no sólo en Escocia, sino también en el continente Americano. A fines de agosto de 1838 partió para Egipto. Después de realizar escalas en Francia, Italia, Malta y Grecia, arribó al puerto de Alejandría el 24 de septiembre.

"Alejandría"

Allí, contrató a un barco con su tripulación y a un servidor, y partió rumbo a El Cairo.

"El Cairo - Vista Oeste"

"Un Café en El Cairo"

"Jóvenes danzando en El Cairo"

"Un mercado de exclavos en El Cairo"

Visitó las pirámides y las Esfinge, innumerables monumentos, ruinas y templos a lo largo del Nilo, de los que hizo magníficas reproducciones de vivos colores, tanto en dibujos como en acuarelas, así como detalles de las imágenes simbólicas, permaneciendo en Egipto durante cuatro meses.

"El Templo de Edfu en el Alto Egipto"

"El Templo de Edfu"

"Ruínas de Komombo"Destacan sobremanera sus dibujos de los monumentos egipcios antes de la restauración. En este viaje realizó más de un centenar de bocetos, sobre todo en su camino de regreso por el río. La segunda parte de su viaje en Egipto se inició en 1839.

Salió de El Cairo vistiendo ropas árabes, y acompañado por dos viajeros ingleses, John Pell y John G. Kinnear, además varios guías musulmanes, viajó a Tierra Santa y el Líbano a través de la Suez moderna, el Monte Sinaí, Petra y muchos lugares de Dan a Beersheba.
Petra.

"Petra"

"Autoretrato trabajando con ropas del desierto en Tebas"

"Estatuas De Memnon en Tebas durante la inundación"David hace sólo bocetos de los lugares y monumentos de los diferentes lugares que visita sin llegar a realizar la pintura completamente, labor que termina en su estudio cuando regresa a Inglaterra once meses después.

"Nubia"

" Templo de Philae- Nubia""Pórtico Templo de Philae- Nubia"
"Asedio a Jerusalen"

"Convento de Santa Catalina en el Monte Horeb"

Este viaje, de largo y ajetreado itinerario mermó la salud de David, que llegó a enfermar gravemente.

"Vista de la isla de Files"

Inició el regreso el 8 de mayo desde Beirut, embarcando vía Malta y Gibraltar, llegando a Londres el 21 de julio de 1839.
En los años siguientes, Roberts publicaría sus numerosos trabajos sobre Tierra Santa y también se dedicaría a reflejar los vestigios arqueológicos de las Islas Británicas, falleciendo en Londres en 1864.

Su obra influirá poderosamente en el concepto del paisaje romántico con características orientales en toda Europa, desde Parceris a Doré.

Tras su regreso a Inglaterra, pidió a Francisco Luna Graham a publicar sus obras y a Louis Haghe las litografías. La obra completa consta de un total de 6 tomos y 247 litografías realizadas entre 1842 y 1849, titulados “La Tierra Santa”, “Siria”, “Idumea”, “Arabia”, “Egipto” y “Nubia”.
Este extenso trabajo lo recompensa con una enorme fama y renombre.
Entre las importantes obras de David Roberts, son notables sus pinturas y litografías de Dromos, Copurt o exterior de la Gran Templo en Edfou en el Alto Egipto titulado El Templo de Edfou en el Alto Egipto, igualmente lo son las de El Cairo, Belén, Ruinas de Baalbec, Memnon y las Llanuras de Tebas.

Todas las obras resultantes de este viaje son muy exactas y perfectas en la visualización de la arquitectura, la cultura, las costumbres y los paisajes de Egipto y Oriente Medio.

Bibliografía:
La España Pintoresca de David Roberts – Antonio Gimenez Cruz – Editorial Universidad de Málaga.
Las maravillas de Egipto, David Robert – editorial ultramar

David Robert, Pintor Viajero (I)

2009-08-05T18:26:00.007+02:00

"Ruínas de la Catedral de San Andrés y la Iglesia de San Regulo" - Fife -Escocia

David Roberts nació el 24 de octubre de 1796 en un suburbio de Stockbridge en Edimburgo, Escocia.

Hijo de un modesto zapatero y una humilde ama de casa, ayudó a su padre en el trabajo hasta la edad de 10 años, presentando desde muy niño un inmenso talento artístico, que expresaba a través de excelentes dibujos silvestres.

Su familia, a pesar de su precaria economía y la miseria en la que vivía, lo animaron a acrecentar sus dotaciones y artísticas proponiéndolo como aprendiz a David Beugo, un pintor y decorador, que lo aceptó y con el que estuvo aprendiendo durante siete años, dedicando las noches a estudiar arte y a perfeccionarse en su trabajo.

En 1816 es contratado por el director de un circo, como pintor de escenario del mismo. Este aprendizaje lo llevó posteriormente a trabajar como asistente de diseñador, lo que fue el comienzo de su carrera como pintor de paisajes, pues la tarea de crear telones con paisajes le permitió dominar la perspectiva de la pintura
En 1819, fue requerido como pintor de escenas en el Teatro Real de Glasgow. Allí conoció a la actriz escocesa Margaret McLachlan, hija ilegítima de una gitana llamada Highland y de un empresario. El flechazo fue instantáneo y se casaron en 1820, henchidos de amor.
Fruto de la unión nació un año más tarde su hija Christine. Sin embargo el matrimonio no llegó a buen término, separándose ambos. Highland regresó a Escocia, mientras que David se hizo cargo de Christine, cumpliendo ejemplarmente sus funciones paternales a pesar de su trabajo y sus viajes, y creándose entre ambos un vínculo de afecto que duraría toda la vida.

Como diseñador de escenarios, David Roberts trabajó los más grandes teatros de Escocia e Inglaterra, y si bien sus dioramas, panoramas y pinturas teatrales causaron un furor en el Covent Garden, y sus diecisiete escenas de Mozart en "El Serrallo" recibieron una entusiasmada aclamación internacional, la pintura paisajística no era para él más que un medio de subsistencia. Su verdadera pasión era la pintura arquitectónica en cuyo ámbito particular se convirtió, indiscutiblemente, en el gran maestro de su generación.

En esta época cuando entabla amistad con el artista Clarkson Stanfield, con el que se asocia para crear panoramas y dioramas, y éste le anima a presentar sus pinturas al Instituto de Bellas Artes de Edimburgo, cosa que consigue en 1821 presentando tres representaciones, dos de las cuales, (“La Abadía de Melrose” y “La Abadía de Dryburgh”), consiguen venderse a un considerable precio.

“La Abadía de Dryburgh”

Pero la escenografía no era lo que Roberts deseaba como dedicación permanente, por lo que poco a poco la fue dejando, para desarrollar la pintura de las arquitecturas y las topografías de diferentes lugares.
No obstante regresó al escenario del teatro para el diseño de pintura en muchas producciones de Charles Dickens.
Ese mismo año fundó con varios pintores, la Sociedad de Artistas británicos y se trasladó a Londres para realizar su carrera de pintura como siempre había soñado: viajando y plasmando en sus lienzos sus impresiones.

En el otoño de 1824 visita Normandía y recorre parte de Europa.

"St Paul's Cathedral with the Lord Mayor's Procession"

Sus pinturas se basan en este viaje en monasterios, catedrales góticas y paisajes...

"Interior de la Iglesia de St. Anne - Brujas"

...comenzandose a sentar las bases de su reputación y mostrándose como un especialista en la pintura de arquitectura.

"Cathedral St. Gommaire - Belgica"

Uno de sus cuadros, La Catedral de Rouen, es vendido por 80 guineas.

"La Catedral de Rouen"

En ese año celebra la primera exposición de las mismas en la Sociedad de Artistas Británicos en y, a continuación, en el Royal Academy y en La Institución Británica en 1826. En 1829 su reputación es la de un excelente artista.

También ese año, expone “La salida de los israelitas de Egipto”, haciendo evidente su estilo.

“La salida de los israelitas de Egipto”

A partir de 1930 ya podría vivir razonablemente con lo que le rentaba su trabajo de dibujos y pinturas haciéndose además miembro de la Sociedad de Artistas británicos y convirtiéndose más en su Presidente en 1831, cargo al que renunció en 1835.

David Roberts contaba 42 años cuando comenzó a viajar. Sus perspectivas se centraban principalmente en el Mediterráneo y más precisamente en España, referencia obligada debido a la gran fascinación que producían en él las maravillosas mezquitas y palacios de los moros y el embrujo de su historia. En octubre de 1832 entra en la Península por la aduana guipuzcoana de Irún, después de atravesar Francia de norte a sur.

“Su objetivo principal era recorrer Andalucía hasta poder completar un buen reportaje, hasta tener un conjunto de dibujos que plasmaran lo más llamativo e interesante de al-Andalus, la todavía bastante desconocida civilización hispanomusulmana. En la ciudad vasca se vio obligado a permanecer dos semanas de cuarentena a causa de una epidemia y de allí fue a Vitoria (Álava). Roberts visitaría Miranda del Ebro, Burgos, Madrid, Sevilla, Córdoba, Granada, Loja, Málaga, Ronda y Gibraltar. En los sitios más importantes permanecía tres semanas. Tres semanas en Sevilla, tres en Córdoba, tres en Granada y tres en Málaga, que dieron como resultado una España contemplada bajo el influjo musulmán y la típica estilización romántica del siglo XIX. Allí nacería en el alma de Roberts su admiración e interés por los pueblos y las costumbres musulmanes que lo llevaría más tarde a recorrer itinerarios en el corazón del Islam. Sus grabados de la Alambra de Granada son una prueba anticipada de lo que habría de venir." ( Extracto de Mundo Arabe.com)

En el transcurso de estos viajes, realizó bellas y numerosas litografías y pinturas de paisajes de España. Desde Gibraltar, se trasladó en un corto viaje a África a través de Marruecos, Tánger y Tetuán. Sería su primera expedición a África.

(Aunque en la imagen figura la palabre "Málaga", algún lector me ha asegurado que se trata de la Torre de Santa Catalina de Valencia)

Pinturas de Sevilla

"El Castillo de Alcalá de Guadaira (Sevilla)"

"El Alcázar de Carmona (sevilla)"

"La Giralda"

"El Altar de la Catedral de Sevilla"

"Plaza del Mercado de Carmona (Sevilla)"

"Sevilla desde la Cruz del Campo""Torre del Oro"

Pinturas de Córdoba

" El río Guadalquivir en Córdoba"-litrografía"Torre Morisca del puente de Córdoba"

"Arco del Triunfo a Felipe II"

" El río Guadalquivir "

Pinturas de Granada

"El Puente del Darro"

"Torre de Comares en La Alhambra"

"Alcázar Real de Granada"

"Bibarrambla Andalusí"

"El río Darro en Granada"

Pinturas de Malaga

"Puerto de Málaga"

"Ronda (Málaga)"

"La Catedral"

Otras Ciudades Españolas

"La Catedral de Burgos"

"El Acueducto de Segovia""La Catedral de Santiago de Compostela"

"Toledo"Regresó a finales de 1833 con una oferta de bocetos que elaboró en atractivas y populares pinturas. La Institución Británica expone “Interior de la Catedral de Sevilla” en 1834, que se vendió por £ 300 y ejecuta una serie de ilustraciones españolas para el Paisaje Anual de 1836.

"Interior de la Catedral de Sevilla"

Luego en 1837 una selección de sus “Bocetos Pintoresco en España” son reproducidos en litografías. Entre 1851 y 1853 visita Italia, y representa las pinturas "Palacio Ducal de Venecia", "Roma desde el Convento de San Onofrio" e "Interior de la basílica de San Pedro de Roma, el día de Navidad de 1853", resultando de ello su último volumen “Ilustraciones, Italia, Clásico, histórico y Pintoresco”, publicado en 1859.

"Vista de Pisa"

"San Juan y San Pablo" - Venecia

"El Palacio Ducal de Venecia"

También hizo una pintura de la inauguración de la Gran Exposición de 1851 ante la insistencia de la reina Victoria.

"La torre de Niderlahustein en el Rhin"

"Casa de Edimburgo"

Los últimos años de su vida estuvieron dedicados a realizar una serie de puntos de vista de Londres desde el Támesis.

"Las Cámaras del Parlamento"

El 25 de noviembre de 1864 ya había ejecutado seis de ellos.
Se encontraba trabajando en una imagen de la Catedral de St. Paul, cuando murió repentinamente de una apoplejía.
Fue enterrado en el cementerio de West Norwood.

David Roberts uno de los pintores topográficos más importante de su tiempo. Hoy en día muchos de sus cuadros se encuentran en el Victoria and Albert Museum, el Templo de Dendera, en Bristol, mientras que Jerusalén se encuentran en el Castillo Museo de Norwich. Sus grabados y pinturas de las revistas son piezas de colección que alcanzan un gran valor en el mercado.
Todo un agradecimiento en compensación al trabajo del hijo de un humilde zapatero que apenas tenía la escuela de educación o capacitación formal.

Bibliografía:
*La España Pintoresca de David Roberts – Antonio Gimenez Cruz – Editorial Universidad de Málaga.
*Las maravillas de Egipto, David Robert – editorial ultramar

Manuel Machado, Sentir Andaluz

2009-06-29T10:14:00.001+02:00

(“Patio Andaluz”- Vasyl Tretyakov)

En los colegios de antes solamente se hablaba de Antonio Machado de pasada, rodeándolo de puntillas para esquivarlo. El que predominaba en los libros de texto era Manuel Machado. Luego, cuando terminó ese angustioso periodo opresivo, se invirtieron los términos, descubriendo una cara distinta para cada uno de ellos.
Yo pienso, en ambos casos, que independietemente de los ideales que tuviera cada uno, lo que prima en este caso es la maravillosa obra que nos han dejado y el arte que le pusieron. Y ambos lo tenían.

"...Era un suspiro lánguido y sonoro
la voz del mar aquella tarde... El día,
no queriendo morir, con garras de oro
de los acantilados se prendía.

Pero su seno el mar alzó potente,
y el sol, al fin, como en soberbio lecho,
hundió en las olas la dorada frente,
en una brasa cárdena deshecho.

Para mi pobre cuerpo dolorido,
para mi triste alma lacerada,
para mi yerto corazón herido,
para mi amarga vida fatigada...

¡el mar amado, el mar apetecido,
el mar, el mar y no pensar en nada!..."

(Ocaso)

(Manuel Machado)
Manuel Machado y Ruiz, nace el 29 de agosto de 1874, en la calle Pedro Mártir nº 20 del barrio de la Magdalena de Sevilla, su padre fue Antonio Machado Alvarez, afamado folclorista conocido con el nombre de “Demófilo”, autor de numerosos estudios sobre el folclore andaluz y gran amante del sentir popular del mismo, amor que heredó Manuel y que mantuvo vivo durante toda su vida.
Su madre, Ana Ruiz Hernández, era hija de unos confiteros que residían en Triana.
Su abuelo fue Antonio Machado Núñez, médico afamado y catedrático de las Universidades de Sevilla, Madrid y Santiago, casado con doña Cirpiana Alvarez Duran, pintora y escritora.
El matrimonio tuvo seis hijos, uno de ellos el también poeta, Antonio Machado, con quien conjutamente escribiría Manuel numerosas obras teatrales.

Manuel se crió en Sevilla, frecuentando el palacio de Las Dueñas, lugar en el que su padre desempeñaba el cargo de Administrador de la casa ducal de Alba, sin embargo la economía familiar era escasa, recurriendo para alimentarse a la renta de la abuela, en los meses en los que el sueldo no llegaba a final de mes.

Cuando Manuel contaba nueve años de edad, el abuelo consiguió la cátedra de la Universidad de Madrid, en 1883, y la familia marchó tras él, instalándose en un piso de la calle Claudio Coello, la misma calle en donde vivía el poeta sevillano Gustavo Adolfo Bécquer. Poco tiempo después se trasladaron al número 3 de la calle Almirante.
El padre de Manuel consigue un puesto como catedrático de folclor y allí, en Madrid, estudiaron los tres hijos mayores.

En 1885, Manuel Machado Alvarez (el padre) embarca hacia Puerto Rico para hacerse cargo del Registro de la Propiedad. Sería la última vez que Manuel vería a su padre, pues éste regresa a España en 1893 gravemente enfermo y muere en Sevilla sin ver a sus hijos.
Manuel hace su primera y segunda enseñanza en la institución Libre, dirigida por don Francisco Giner de los Ríos. Se licenció en Filosofía y Letras en 1896 y ganó la 1º plaza de Archivero Bibliotecario en 1910.

"Calle del Betis. Triana.
El corazón del estío penetra el escalofrío de la fuente charlatana.
La Velada de Santa Ana llena de música el río.
Con los ojos de Rocío se ilumina la ventana.

De envidia, al verla, una estrella,
en las alturas sin fin, estremecida rutila.
Y se apaga cuando ella sale envuelta
en el jardín de su mantón de Manila."
(Julio)

El amor que siente por todo lo andaluz y sevillano hace de él una presa permanente de la nostalgia, y escribe tímidamente sus primeros versos.

(Dibujo del Café Fornos por Cecilio Pla en El Globo de Alfredo Vicenti)

Empieza a frecuentar los cafés cantantes madrileños, entre otros el famoso de “La Marina”, situado en la calle de la Reina. Va también con su hermano al no menos famoso “Café Fornos”, en la calle de Alcalá, esquina a la de Peligros, donde se reúnen los más significados artistas de la vida bohemia madrileña.

A Manuel le atrae mucho el cante Jondo.

Entre los contertulios de Fornos está Manuel Sawa, hermano del famoso Alejandro, personaje dramático de la bohemia española, y al que Manuel Machado habría de dedicarle años más tardes uno de sus más bellos y sentidos poemas.

Fue como un epitafio que empieza con estos versos:

“…Jamás hombre más nacido
Para el placer, fue el dolor Más derecho.
Jamás ninguno ha caído
Con facha de vencedor Más deshecho...”

Como se sabe, este personaje de la más trágica vida española fue también pintado por don Ramón Valle Inclán en su obra Luces de Bohemia. Por aquellas fechas, Manuel es también víctima de la bohemia madrileña y se enamora de cierta mujer de vida alegre, y ante tal desbordamiento, su madre, hondamente preocupada, decide envialo a Sevilla donde estará bajo la tutela de su tío Rafael. De esta suerte, el encaprichamiento del poeta con la fémina desaparecerá con la distancia.

Entre 1895 y 1897, el poeta vive en Triana, con sus abuelos maternos, hecho que marca su vida. Se despiertan sus sentimientos más andaluces, se aficiona al cante flamenco, a los toros, a las procesiones, y desarrolla la sensibilidad secreta de su pueblo, aprendiendo a reconocer el dolor profundo y oculto bajo la sonrisa. Asiduo a las tertulias toreras del Bombita y otros toreros en el Café de Silverio Franconetti, pasa largas horas viviendo su pueblo.

(El Torero Bombita - Imagen de Todocolección.net)

Toda la intensidad de estas vivencias quedan reflejadas en la mayoría de sus versos:

“…Y suena esa divina musiquilla
De “La Giralda”, que es toda Sevilla,
Y es torera y graciosa y animada,
Y habla de la mujer enamorada
Que nos espera…Y nombra
Naranjos y azahares,
Y la caña olorosa,
Y una alegría rítmica en cantares,
Y una triste vaga y lujuriosa..."

"...Los látigos chasquean,
Agitan las mulillas
En su carrera locas campanillas,
Y mientras que se orean
Las frentes sudorosas
Y en el pecho golpean
Los corazones, suena
La música torera y sevillana,
Y, dejando en la arena
Un surco negro y grana,
Pasa arrastrando el toro…
Lleva en el fuerte cuerno
Un hilillo de oro…”

(Extractos del poema "La Fiesta Nacional")

Durante sus años en la Universidad contrae amistad con Sales y Ferré, Federico de Castro, Luis Montoto, Joaquín Hazañas, entre otras personalidades de la vida literaria y científica de la ciudad y escribe artículos en “El Porvenir”, periódico liberal del popular político sevillano Pedro Rodríguez de la Borbolla. En estos momentos se produce un acontecimiento en la vida del poeta.

En Sevilla, en aquellos años juveniles, conoce a una bella mocita, prima suya, llamada Eulalia Cáceres, con la que algunos años más tarde contraerá matrimonio. Con Eulalia se pasea por la ciudad, se divierte en las típicas veladas, y la considera su musa.

("Egloga Vespertina" - Documentos publicados en la página web del escritor José García Nieto)

Y llega el año 1897, que es el año de su licenciatura en la Facultad. Sus amigos y admiradores le preparan un agasajo en el “Café Nacional”, situado en la calle Sierpes. Por su parte Manuel ha disfrutado del mejor cante en la ciudad del Guadalquivir, en El Burrero, el de Silverio y Novedades; este último instalado en una de las más típicas casas sevillanas, en la antigua esquina a la céntrica Campana.
Tras su licenciatura, Manuel regresa de nuevo a Madrid, en donde se encuentra teñido en la más honda melancolía. Ha prometido a su novia volver a la ciudad para casarse con ella. Lo cuenta en su casa y a la familia le encanta esta decisión amorosa del poeta, y Manuel se reincorpora a la vida literaria de la capital, en aquellos días muy interesante.

En año 1908 hace un viaje a Sevilla para ver a su novia y allí le llega la noticia del desastre nacional, que habría de pasar a la historia con el nombre de “desastre del 98”. Manuel siente, como la mayoría de los españoles, el más hondo dolor.

A finales de aquel mismo año se marcha a París para ampliar sus estudios por cuenta propia y se instala en el Hotel Medicis, donde había vivido Verlaine, en pleno barrio Latino viviendo allí hasta el año 1901.
Sus ingresos los obtiene realizando traducciones para la casa Garnier Frères. También en París conoce a Gómez Carrillo, Rubén Darío, Oscar Wilde, y a todas las personalidades de interés en la vida literaria parisiense, haciendo con alguno de ellos una gran amistad.

Es a orillas del Sena en donde escribe con la mayor nostalgia una serie poemas andaluces que recoge en un libro titulado Almas, en el que figuran entre otros, «Adelfos» poema dedicado a Miguel de Unamuno, y que bien podría describirse como una de las más hermosas autobiografías de la literatura española que el poeta describe con una indescriptible belleza.

“…Yo soy como las gentes que a mi tierra vinieron
- soy de la raza mora, vieja amiga del sol -,
que todo lo ganaron y todo lo perdieron.
Tengo el alma de nardo del árabe español.
Mi voluntad se ha muerto una noche de luna
en que era muy hermoso no pensar ni querer...”

O Cantares:

“…Vino, sentimiento, guitarra y poesía
hacen los cantares de la patria mía.
Cantares...
Quien dice cantares dice Andalucía.
A la sombra fresca de la vieja parra,
un mozo moreno rasguea la guitarra...
Algo que acaricia y algo que desgarra….”

Estos versos nos revelan la inmensa nostalgia que el poeta siente en París por su tierra Sevillana.
En el año 1901, Manuel Machado regresa a Madrid y funda revistas como “Electra” “Juventud”, “Elios” y “Mundo Latino”, entre otras.

En 1910 contrae matrimonio con Eulalia en la iglesia sevillana de San Juan de la Palma, partiendo esa misma noche el matrimonio para Madrid e instalándose en un caserón de la calle Corredera Baja, junto a su madre Ana Ruiz. Continúa publicando libros: Apolo, Museo… hasta que en 1912 ocurre una desgracia familiar que aflige a todos: la joven Leonor, esposa de Antonio Machado, muere prematuramente de tuberculosis.
Ese mismo año publica Manuel su libro Cante Jondo, dedicado a su mujer Eulalia que tiene un éxito sin precedentes, ganando la 1ª plaza de Archivero-Bibliotecario de Santiago de Compostela.

"A todos nos han cantado
en una noche de juerga
coplas que nos han matado…
Corazón, calla tu pena;
a todos nos han cantado
en una noche de juerga.
Malagueñas, soleares
y seguiriyas gitanas…
Historias de mis pesares
y de tus horitas malas.
Malagueñas, soleares
y seguiriyas gitanas…
Es el saber popular,
que encierra todo el saber:
que es saber sufrir, amar,
morirse y aborrecer.
Es el saber popular,
que encierra todo el saber."

(Cante Hondo)

El matrimonio se traslada a tomar posesión del cargo, pero a los pocos días de recibir el mismo parten de nuevo hacia Madrid, pues Manuel entra en la Biblioteca Nacional.

En 1915, Enrique Gómez Carrillo solicita al poeta que se haga cargo de la crítica teatral en “El Liberal”, el cual recibe la propuesta de muy buenas ganas, dado que el mundo de la escena le ha gustado desde que era muy joven. Esta nueva faceta de crítico teatral le crea un renombre entre los actores de la época, que esperan con impaciencia sus artículos, que llegan a ser apreciadísimos.
Las críticas publicadas, son recogidas al año siguiente en un volumen sobre sus mejores crónicas de la vida madrileña.
En 1921 aparece su libro Ars Moriendi, haciendo partícipe a su hermano Antonio de su decisión de terminar con su etapa poética pues en aquellos momentos Manuel sufre una honda depresión espiritual y física, pero consigue superarla con sus obras escénicas e incluso con otras muestras literarias y poéticas que no habría de interrumpir hasta su muerte.
En colaboración con su hermano Antonio, escribe una distendida producción dramática, “Desdichas de la fortuna o Julianillo Valcárcel”, estrenada por la compañía de María Guerrero y Fernando Díaz Mendoza en 1926, contando la misma con los mayores elogios.

(Fotografía obtenida en el estreno de La Lola se va a los Puertos, en el teatro Fontalba el 8 de noviembre de 1929. Sentados, de izquierda a derecha, Manuel Machado, la actriz Lola Membrives y Antonio Machado; detrás, de pie, Ricardo Puga y otros actores de la comedia - Fotografía publicada en la página web de Abel Martín)

Otras obras que realizan en colaboración son “Juan de Mañara”, “La Lola se va a los Puertos”, “La Duquesa de Benamejí”, “Las Adelfas” y “La prima Fernando”, todas con una composición política y dramática y siempre impregnadas de situaciones que recuerdan al típico ambiente andaluz, siendo “La Lola se va a los Puertos”, la obra cumbre de la creación teatral de los hermanos Machado.

Antonio Machado, el presidente del gobierno Miguel Primo de Rivera, Manuel Machado, y José Antonio Primo de Rivera, en el hotel Ritz de Madrid el 27 de noviembre de 1929 - Fotografía publicada en la página web de Abel Martín

En el mes de Julio de 1936, Manuel y Eulalia deciden ir a Burgos para visitar a una hermana de Eulalia, monja. Se quedan allí y allí va a producirse la separación física definitiva entre Manuel y Antonio con el estallido de la guerra civil el 18 de ese mismo mes.
Esta separación hace que los dos hermanos tomen sus senderos separados para conducirlos, hacia el final de sus vidas, a abrazar los dos diferentes bandos en los que desembocó España por culpa de la guerra civil. Sin embargo, Manuel y Antonio, a pesar de recorrer caminos separados en la creación poética, siempre conservaron un paralelismo en sus obras, coincidiendo en muchas de ellas en matices que muestran la infancia y juventud que vivieron conjuntamente.

Denunciado por un tal Danaras, Manuel es detenido, pero puesto rápidamente en libertad gracias a la intervención de unos amigos del poeta. En 1938 publica "Horas de Oro", se une a la causa Nacional, y pasa a formar parte de la Academia de la Lengua Española. El acto tuvo lugar en el palacio de San Telmo de San Sebastián y la contestación estuvo a cargo de José María Pemán. Manuel se convirtió en el poeta oficial del nuevo régimen. Esto también lo convierte en el centro de crítica de sus discípulos y el distanciamiento con su exiliado hermano Antonio llegando a cortar ambos completamente las relaciones. Este hecho sucumbió con la fama de Manuel, quien, obligado por el bando de los vencedores de la guerra, tuvo que retractarse de su pasado afrancesado y liberal, envuelto en un halo de confusión que ya no le abandonaría nunca.

(Antonio y Manuel Machado-1927)

Cuando en el año 1939 llega a Madrid la sublevación de Franco, Manuel dedica una poesía (“Al sable del Caudillo”), al militar golpista y dictador, lo que le valió el reconocimiento y el salvoconducto que le permitía vivir dentro de un régimen opresor que exterminó y arrojó al exilio a tantos poetas, literatos e intelectuales de mucha valía.
Sin embargo poco tiempo después de publicarla, el poeta siente un gran arrepentimiento, sobre todo cuando una mañana de 1939, lee en el periódico la noticia de que su hermano Antonio ha muerto en su exilio francés. Decide ir a Colliure a visitar su tumba, y encuentra también la de su madre, que había muerto sin que él tuviera conocimiento de ello.
Dolorido, arrepentido y apenado, Manuel no regresa a España hasta que no acaba la guerra. A su vuelta publica "Ópera Omnia" y algunas antologías de sus versos.

Posteriormente estrena una nueva obra teatral “El pilar de la Victoria”. También por aquellos años está al frente de la Biblioteca Municipal, en donde se reúne con jóvenes poetas y escritores, en los cafés o en su casa. Escribe artículos en periódicos y revistas y transcurre su vida entre su elegancia espiritual y el recuerdo de su hermano Antonio.

Manuel Machado fallece en Madrid, el 19 de Enero de 1947, con la misma sencillez que le había caracterizado toda su vida, dejando una colección de poesías de intensísima calidad.

Toda la obra de Manuel Machado fue desestimada y anclada en un sombrío olvido cuando a partir de los años setenta, ya cercano el final de la dictadura, la juventud antifranquista comenzó a desenterrar a todos aquellos poetas que habían muerto por manos franquistas o vivían aún en el exilio. El resurgir de todos estos poetas opacaron a todos aquellos otros que habían brillado hasta el momento, olvidándose, en el caso de Manuel Machado, que además de poeta y escritor también fue un gran divulgador de las letras de los cantes flamencos, escritos con la gracia andaluza y conocidos como “cante jondo”.

Se dice que sacaba su inspiración de la inmensa colección de letras de cante flamenco que su padre había recopilado a lo largo de toda su vida, letras y cantes tomadas de los anónimos cantaores andaluces. Gran estudioso de todos los estilos de cante flamenco, sus poemas estaban compuestos para la voz y la música de seguidillas, coplas y soleares.
Creó una variante de soleá en la que el verso central tenía un número desproporcionado de sílabas, y escribió como nadie los sonetos octosílabos denominados sonetillos.

"La Soleá"
"Yo me agarro a las paredes
cuando te encuentro en la calle,
chiquilla, pa no caerme."

"Tengo un querer y una pena.
La pena quiere que viva;
el querer quiere que muera."

(Manuel Machado Cante hondo, 1912)

Bibliografía: *"El mal Poema de Manuel Machado" - Luisa Contoner
* Manuel Machado - Gran Enciclopedia de Andalucía
* Biografía de Manuel Machado - Los Poetas.com